Siewca (o zachodzie słońca): historia, znaczenie i technika malarska
Arles, w porze kwitnienia
Vincent van Gogh dotarł do Arles w lutym 1888 roku, goniąc za światłem, które, jak wierzył, zaostrzy jego kolor tak, jak japońskie drzeworyty zaostrzyły jego oko. Wiosną sady wokół miasta zaczęły rozkwitać, a on malował je szybko, jedno płótno po drugim, pracując szybciej niż kiedykolwiek pracował w Paryżu.
Siewca należał do innego rejestru ambicji. Nie był to szkic wykonany bezpośrednio z modela, lecz kompozycja zbudowana z pamięci i długiego przekonania, temat, który nosił ze sobą od najwcześniejszych lat jako artysta. To płótno, skatalogowane jako Siewca III (wersja 2), jest jedną z kilku prób, które podjął w tym samym roku.
Pracował nad nim w tych samych tygodniach co nad kwitnącymi sadami i coś z tamtej pory roku wkradło się do obrazu. Kwitnąca gałąź wchodzi od góry płótna, przewieszona przez pień drzewa dominującego w scenie, jak gdyby sad za malarzem wyrósł prosto w pole przed nim.
Ogłowiony pień przecina pole na dwoje
Powierzchnia obrazu jest niewielka, zaledwie 40,3 na 32,5 centymetra, a jednak Van Gogh zatłacza ją zdarzeniami. Gruby, ciemny pień wznosi się od dołu po prawej do góry po lewej, jego ogłowione konary rozłożone jak palce na tle nieba w kwaśnej żółtozieleni poprzecinanej różem.
Przez te konary przewieszona jest smukła kwitnąca gałąź, jej kwiaty kładzione krótkimi muśnięciami koralowego i bieli, luźno odwijające się od głównej łodygi. Drzewo nie jest przypadkowym elementem scenerii. Rozcina płótno po przekątnej i spycha siewcę, nominalny temat obrazu, w lewy dolny róg.
Tam idzie, zwarta postać w ciemnoniebieskozielonej kurtce i czapce, rozsypująca ziarno wyciągniętym ramieniem po polu oddanym łamanymi pociągnięciami lilii, szarości i bladej ochry. Za nim wąski pas błękitu, bardziej fragment koloru niż dosłowna rzeka, oddziela pole od niskiego horyzontu, gdzie odległe miasteczko i pojedynczy ciemny cyprys są zaznaczone kilkoma oszczędnymi dotknięciami.
Ponad tym wszystkim, nisko i ogromne, tkwi słońce czystej chromowej żółci, budowane okrężnymi pociągnięciami, tak że sama farba zdaje się obracać. Nie płonie tak bardzo, jak świeci płasko na tle kwaśnego nieba, bliżej monety wciśniętej w płótno niż źródła ciepła.
Zapożyczona postać, stworzona do rywalizacji
Siewca nie był wynalazkiem Van Gogha. Rysował i malował ten temat od lat spędzonych w Holandii, naśladując Jean-François Milleta, którego wiejskich robotników kopiował i czcił jako wzory uczciwej, niesentymentalnej tematyki.
W Arles pchnął postać w kolor, jakiego Millet nigdy nie użył, testując się, jak opisywał w listach, przeciwko malarzom, których najbardziej podziwiał, przekładając ich powściągliwe tonalne kompozycje na surowe dopełniające się barwy. Żółte słońce przeciwko polu skłaniającemu się ku fioletowi, najstarsza para w jego myśleniu o kolorze, wykonuje tu pracę emocjonalną, którą w oryginałach Milleta wykonywały rysunek i ton.
Temat niósł ciężar większy niż jego kompozycja. Dla Van Gogha siewca oznaczał cykl, który przetrwał każde pojedyncze życie, ziarno powierzone ziemi z obietnicą, że powróci jako zboże. Wracał do tego obrazu dość często, by jego listy traktowały go jako coś bliskiego prywatnemu wyznaniu wiary.
Farba prowadzona w pośpiechu
Praca pędzla jest wszędzie szybka i deklaratywna. Pole jest kładzione krótkimi ukośnymi pociągnięciami, które podążają za bruzdami, zamiast opisywać je jedną po drugiej, niebo dłuższymi poziomymi ruchami przeciętymi smugami różowych chmur, kora nacinana ciemnymi, skręconymi liniami, przez które prześwieca kolor podłoża.
Nic tu nie jest wygładzone. Farba zalega w grzbietach tam, gdzie pędzel ją nałożył i uwolnił, a tarcza słońca w szczególności niesie widoczny impast, wypukłą, fakturalną powierzchnię, która łapie rzeczywiste światło różnie w zależności od tego, gdzie stoi widz.
Ta zmienność jest częścią charakteru obrazu, a nie wadą pośpiesznego szkicu. Van Gogh zmierzał ku zdecydowanej, afiszowej klarowności, płaskim płaszczyznom mocnego koloru ograniczonym rysowanymi pociągnięciami, bliżej duchem drzeworytów, które kolekcjonował, niż konwencjonalnego malarstwa pejzażowego jego czasów.
Jak prezentuje się w pomieszczeniu
Zawieszony tam, gdzie dociera światło dzienne, obraz zmienia się z godziny na godzinę w sposób, w jaki płaskie obrazy tego nie robią. Poranne lub pochmurne światło pozwala fioletowi i szarości pola czytać się wyraźnie na tle żółtego nieba; bezpośrednie słońce padające na impast łapie grzbiety farby i wydobywa chromową tarczę w ostrzejszym reliefie.
Mały, bo ma 40,3 na 32,5 centymetra, utrzymuje ścianę gęstością, a nie skalą, zatłoczona przekątna pnia daje mu więcej obecności, niż jego wymiary sugerowałyby na pierwszy rzut oka.
Oryginał znajduje się w Muzeum Van Gogha w Amsterdamie, skatalogowany wśród grupy kompozycji z siewcą, które Van Gogh stworzył w Arles w tym roku. Oglądany z bliska lub z drugiego końca pokoju, wynagradza ten rodzaj niespiesznego, powtarzanego patrzenia, na który obraz tak skondensowany i tak szybki w powstaniu był zbudowany, by przetrwać.
Więcej z tej kolekcji
Zabierz ten obraz do siebie
Wybierz ręcznie malowaną reprodukcję olejną, jeśli zależy Ci na prawdziwej fakturze pędzla, albo archiwalny wydruk na płótnie – ostrą edycję z muzealnego zdjęcia. Każdy format zachowuje oryginalne proporcje.
Zobacz to dzieło i opcje
Dalsza lektura
Zweryfikuj oryginał w źródle: Van Gogh Museum rekord kolekcji, a potem przejdź do powiązanych dzieł w katalogu.