Árvore de Ameixa em Flor (segundo Hiroshige): História
Em 1887, Vincent van Gogh estava em Paris havia um ano, morando com seu irmão Theo e absorvendo um mundo artístico que tinha pouco em comum com a paleta sombria e terrena que ele havia deixado para trás em Nuenen. Ele via telas impressionistas e neoimpressionistas em primeira mão, conhecia pintores como Bernard e Signac e, ao lado de tudo isso, cultivava uma obsessão particular por gravuras em madeira japonesas.
Ele e Theo colecionaram centenas delas, compradas barato do marchand parisiense Siegfried Bing, e por um tempo Vincent pregou folha após folha nas paredes de seus quartos e as estudou como um aluno estuda um mestre. Ele queria, escreveu, olhar o mundo como um artista japonês olhava, simplificado, direto, sem as nuvens das convenções de sua própria formação.
Ameixeira em flor, segundo Hiroshige, pintada em Paris em 1887, é uma de duas pinturas em que essa ambição se tornou literal. Em vez de apenas absorver o que as gravuras japonesas tinham a lhe ensinar, Van Gogh pegou uma folha existente e a elaborou em tinta a óleo sobre tela.
Copiar como forma de pensar
A gravura por trás desta pintura é Plum Park in Kameido, de Utagawa Hiroshige, parte de sua série One Hundred Famous Views of Edo. Van Gogh a conhecia pela revista Paris Illustre, que reproduzia gravuras japonesas para um público francês, e muito provavelmente por sua própria coleção.
Ele não traçou a gravura tanto quanto a reconstruiu. Ele quadriculou sua composição e a ampliou sobre a tela, ajustando o que a mudança de meio exigia enquanto mantinha intacta a audácia do desenho: um tronco de árvore preenchendo quase toda a imagem, o chão recebendo quase nenhum espaço, o olho sem nenhuma rota fácil para um horizonte.
Copiar nunca foi, para Van Gogh, um tipo inferior de trabalho. Era uma forma de pensar através da mão de outro artista, uma disciplina à qual ele retornou ao longo de sua vida com Millet e Delacroix, assim como aqui com Hiroshige.
O que a tela contém
Um tronco de ameixeira divide a pintura em uma diagonal acentuada, sua casca construída com pinceladas secas e arrastadas de vinho, preto e ocre que dão à madeira um peso áspero, quase geológico. Ramos finos disparam para cima e para os lados a partir dele, cada ponta carregada de flores brancas aplicadas em toques curtos e deliberados.
Atrás da árvore o céu não é azul, mas um vermelho profundo e saturado, suavizando para rosa e creme perto do horizonte, onde um pomar inteiro de árvores pálidas em flor permanece em cor plana, sem modelagem. Pequenas figuras em azul e amarelo se movem ao longo de uma cerca na base desse pomar, pouco mais que uma ou duas pinceladas cada, presentes para dar escala e não incidente.
A paleta em toda a obra é reduzida a um punhado de cores fortes, vermelho, verde, preto e branco, aplicadas sem nenhuma da mistura suave que a formação acadêmica de Van Gogh outrora teria exigido. É uma imagem feita para impressionar do outro lado de uma sala, depois recompensada em uma inspeção mais próxima pela rugosidade de sua superfície.
As bordas que ele inventou
Van Gogh acrescentou algo que a gravura original de Hiroshige nunca teve: duas faixas verticais de caracteres japoneses sobre um fundo laranja, emoldurando a cena como faria uma placa de loja ou a montagem de um pergaminho. Os caracteres não são uma transcrição fiel de nada específico; ele os adaptou de outras folhas de sua coleção, atraído mais por seu peso gráfico do que por seu significado, que ele não sabia ler.
O efeito é tornar o empréstimo visível em vez de oculto. Esta não é uma cópia disfarçada, mas uma homenagem aberta, o tributo de um pintor holandês a uma gravura japonesa, construída em parte com caracteres admirados puramente como formas.
Em uma parede, sob luz mutável
Com 46 por 55 centímetros, o original é um objeto modesto que defende a si mesmo pela cor e não pela escala. Isso é parte do motivo pelo qual ele pode dominar uma parede do outro lado de uma sala e ainda recompensar quem se aproxima, onde a tinta arrastada e não misturada do tronco se torna seu próprio assunto.
O fundo vermelho muda com a luz ao seu redor, mais quente e pesado à noite, mais frio e nítido sob uma janela voltada para o norte. Poucas pinturas mudam de humor ao longo do dia de forma tão visível quanto uma construída quase inteiramente a partir de uma única cor saturada.
Van Gogh a pintou no mesmo ano em que começou a empurrar sua própria paleta em direção à intensidade que definiria seus últimos anos no sul da França. Vista hoje no Museu Van Gogh em Amsterdã, ela se lê como uma pintura dobradiça, o momento em que um pintor formado nos marrons da tradição holandesa decidiu que a cor sozinha poderia carregar o significado de uma pintura inteira.
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