Árvores e Vegetação: História, Significado e Técnica de Pintura
Uma floresta nos arredores de Paris, 1887
Na primavera de 1887, Vincent van Gogh estava em Paris havia pouco mais de um ano, morando com seu irmão Theo e percorrendo as galerias e estúdios da cidade. A paleta pesada e terrosa que trouxera da Holanda estava cedendo lugar a algo mais leve. Ele observava com atenção o que seus colegas pintores faziam com a cor e testava até onde podia levar seu próprio pincel para acompanhar o ritmo.
Naquela primavera e naquele verão, ele fez repetidas excursões aos bosques e parques nos arredores da cidade, na maioria das vezes a Asnières, em busca de temas que nada tinham a ver com os bulevares. Árvores e sub-bosque, pintado em 1887 e hoje no Museu Van Gogh, em Amsterdã, pertence a essa série de estudos de bosque. É um quadro feito por um pintor que aprendia, em alta velocidade, a ver em cor em vez de em tom.
Não há aqui narrativa óbvia, nenhuma figura, nenhum caminho que conduza o olhar a um destino. Van Gogh não estava ilustrando um passeio pelo bosque. Ele estava descobrindo, tela após tela, como a luz do sol se decompõe quando cai através das folhas sobre um chão de floresta densamente povoado.
Dentro do mato
A tela, com 55,5 por 46,5 centímetros, é quase quadrada, e Van Gogh preenche cada centímetro dela com o bosque. Troncos delgados erguem-se numa densa cortina vertical, da borda inferior até a superior, inclinando-se em ângulos ligeiramente diferentes, como fazem os arbustos jovens quando competem por luz. Não há céu, nem clareira, nem distância onde descansar.
Alguns dos troncos mais próximos são realçados em mauve e lilás, e não em marrom, captando a pouca luz direta que chega tão fundo ao sub-bosque. Atrás deles, o bosque se dissolve numa névoa de verde e ouro, com a copa tão espessa que as folhas individuais deixam de ser separáveis e se tornam, em vez disso, uma textura, um clima.
Sob os pés, o chão é igualmente movimentado. Pequenas flores brancas, provavelmente alho selvagem ou anêmona, espalham-se pela metade inferior da tela em grupos soltos, e aqui e ali um toque de vermelho irrompe pelo verde como uma faísca. Nada nessa faixa inferior é desenhado em contorno. Tudo é construído inteiramente com pinceladas curtas e carregadas de tinta, colocadas lado a lado.
A composição não tem centro no sentido habitual. O olhar entra onde quer que pouse e depois continua se movendo, puxado de tronco em tronco e de trecho em trecho, porque Van Gogh não deu mais peso a nenhuma passagem do que a qualquer outra. Essa recusa em compor um ponto focal é, em si, uma declaração sobre como um bosque realmente parece quando se está dentro dele.
Como a tinta foi trabalhada
Van Gogh trabalhou esta tela com toques curtos e separados, e não com passagens fundidas, colocando verde ao lado de azul ao lado de ouro e deixando o olho fazer a mistura à distância. É um método próximo do que os impressionistas e neoimpressionistas ao seu redor faziam naquele ano, embora suas marcas permaneçam mais soltas e mais urgentes do que um ponto de Seurat jamais foi.
Os troncos são construídos com pinceladas mais longas e mais secas, puxadas diretamente para baixo na tela, e é por isso que eles soam eretos e um pouco rígidos contra o tratamento mais macio e mais quebrado da folhagem. Esse contraste entre uma pincelada vertical controlada e um toque disperso, quase castigado pelo tempo, acima dela, dá ao quadro sua estrutura sem nenhuma linha desenhada.
Por todo o sub-bosque, a pincelada torna-se curta e perfurante, com toques de branco e creme aplicados em grupos para representar flores, enquanto o verde ao redor delas permanece mais áspero e mais variado em tom. De perto, a superfície é quase inteiramente tinta abstrata. Só a uma distância normal de observação ela se resolve em grama, folha e pétala.
O verde domina, mas nunca é um único verde. Van Gogh transita por oliva, verde-sápido, viridiano e um lime amarelado dentro de poucos centímetros de tela, e é essa variação interna, mais do que qualquer cor brilhante isolada, que impede o quadro de ficar chapado ou decorativo.
Numa parede
Uma pintura tão densa recompensa um ambiente com luz natural estável, já que a própria superfície faz tanto do trabalho de captar e decompor a iluminação. Pela manhã, os verdes mais frios e os troncos lilás tendem a avançar. Mais tarde no dia, sob luz mais quente, os toques de ouro e creme na copa e nas flores ganham terreno.
Como não há horizonte nem um único ponto onde se pede que o olhar se fixe, o quadro se comporta menos como uma janela e mais como um trecho de parede que recebeu clima. Ele combina com um lugar onde será visto com frequência e por algum tempo, uma escadaria, um canto de leitura, uma parede em frente a uma poltrona, e não com uma sala vista de passagem.
Van Gogh pintou este bosque num momento em que ainda descobria o que seu próprio olho podia fazer com a cor. O que sobrevive na tela é essa própria busca, capturada no meio da pincelada, ainda legível mais de um século depois.
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