Autorretrato com Cachimbo e Chapéu de Palha: A História
Na primavera de 1887, Vincent van Gogh vivia em Paris havia mais de um ano, e estava ficando sem modelos que pudesse pagar. Seu irmão Theo mantinha a casa com a renda modesta de um negociante de arte, e modelos custavam dinheiro que Vincent não tinha para gastar. Então ele voltou o espelho para si mesmo, repetidas vezes, usando o próprio rosto para trabalhar tudo o que estava aprendendo com os pintores ao seu redor. Esta pequena tela, trinta por quarenta e dois centímetros, é um resultado desse aprendizado autoimposto.
Um rosto usado como laboratório
Van Gogh chegara a Paris ainda pintando na maneira escura e terrosa de Nuenen e Antuérpia. Em poucos meses, ele estava observando atentamente o Impressionismo, a cor fragmentada de Pissarro e Signac, os planos chapados e contornos ousados vindos das gravuras japonesas que eram negociadas e colecionadas por toda a cidade.
Ele não podia pagar os modelos de que precisava para testar essas ideias adequadamente, então posou para si mesmo. Ao longo de cerca de dois anos em Paris, pintou mais de vinte autorretratos, cada um um teste diferente de cor, pincelada ou humor, e este está entre os mais diretos do grupo.
O chapéu de palha não é um adereço de estúdio escolhido por efeito. Era um chapéu comum de camponês, do tipo que ele usara e pintara em camponeses na região de Brabante, e aqui ele fica estranhamente, quase desafiadoramente, sobre um rosto que, fora isso, é todo Paris: alerta, atento, trabalhado em cor em vez de sombra.
O que a tela realmente contém
O chapéu praticamente preenche a metade superior da imagem, com sua aba larga inclinada em um ângulo tal que metade do rosto cai em sua sombra. Van Gogh o construiu com longas pinceladas radiantes de amarelo e ocre, com um cinza-azulado mais frio inserido na trama onde a palha apanha sombra, de modo que o chapéu se lê como tecido e tridimensional, e não plano.
Abaixo dele, o rosto se volta ligeiramente para longe do espectador, enquanto os olhos permanecem fixos nele, uma pequena tensão que dá ao retrato sua vivacidade. A pele não é pintada como a pele costuma ser: verde percorre a maçã do rosto e ao redor da órbita ocular, rosa cora o nariz, e ocre e branco ficam lado a lado em toques curtos e separados, em vez de tons misturados.
Um cachimbo avermelhado está apertado entre a barba, com seu tubo se estendendo para a direita da tela e quebrando a simetria da composição. A própria barba é um emaranhado de pinceladas rápidas, ruivo e marrom atravessados de branco e preto, construída com a mesma economia de meios que o chapéu acima dela.
Os ombros caem em pinceladas soltas e ásperas de azul-esverdeado, um casaco ou blusa renderizado quase como um campo de hachuras, em vez de uma peça de vestuário descrita. Atrás da figura, o fundo é deixado fino e pálido, um branco-sujo quente trabalhado com leves pinceladas diagonais que deixam a trama da tela aparecer, mais esboço que cenário acabado.
A cor fazendo o trabalho da luz
Nada aqui é modelado com luz e sombra tradicionais. Em vez disso, Van Gogh coloca cor contra cor: o dourado do chapéu contra o fundo pálido, o verde da bochecha sombreada contra o ocre quente do lado iluminado, o azul-esverdeado do casaco contra o laranja da barba.
Esta é a lição que ele vinha absorvendo dos neoimpressionistas naquela primavera, que um rosto podia ser construído a partir de toques complementares colocados lado a lado, em vez de suavizados em um único tom de pele. Ele nunca adotou seu método pontilhista estrito por inteiro, mas o hábito de deixar pequenas pinceladas de cor contrastante fazer a modelagem permaneceu com ele pelo resto da vida.
O resultado é um rosto que parece vibrar ligeiramente mesmo em imobilidade, mantido coeso menos pela anatomia do que pelo equilíbrio de manchas quentes e frias sobre ele. É uma imagem de aparência inacabada em alguns pontos, e essa aspereza é parte do que a faz parecer um documento de trabalho, e não uma semelhança formal.
Uma pequena tela que se impõe
Com trinta por quarenta e dois centímetros, este é um objeto modesto, mais próximo de um estudo do que de um grande retrato, e essa escala combina com o que ele é: um exercício privado, pintado rapidamente, não uma declaração encomendada. Visto de perto, no tipo de luz que um estudo ou um corredor lhe dá, as pinceladas individuais se separam, dourado ao lado de cinza, verde ao lado de rosa, e a imagem se torna quase abstrata.
Afaste-se, ou deixe a luz de uma sala mudar em direção ao entardecer, e essas mesmas pinceladas se resolvem novamente em um rosto, um que encontra seu olhar sob a aba de um chapéu com uma franqueza que poucos retratos formais conseguem. O original está hoje no Stedelijk Museum Amsterdam, onde figura como uma das entradas mais simples e mais inquietas da longa série de autorretratos parisienses de Van Gogh, menos sobre vaidade do que sobre um pintor ensinando a si mesmo a ver em cores.
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