Autorretrato com Chapéu de Feltro Cinzento: História e Significado
No inverno de 1887, Vincent van Gogh vivia em Paris há quase dois anos, dividindo um apartamento apertado na Rue Lepic com seu irmão Theo. O dinheiro era pouco, e modelos profissionais custavam mais do que ele podia pagar, então ele fez o que já vinha fazendo naquele ano: montou uma pequena tela, apoiou um espelho por perto e pintou o próprio rosto.
Ele havia chegado à cidade ainda trabalhando na paleta escura e terrosa dos anos holandeses. Em poucos meses, por meio dos contatos de Theo e dos ateliês e cafés de Montmartre, conheceu Signac, Bernard e Toulouse-Lautrec, viu as telas pontilhadas de Seurat e começou a testar as novas teorias da cor por conta própria, no único modelo que nunca mandava a conta.
Uma cabeça envolta em azul e laranja
O fundo desta pequena tela não fica parado. Ele gira em arcos concêntricos apertados de azul cobalto e turquesa, salpicados de traços de laranja queimado que parecem girar para fora de trás da cabeça do retratado como um halo flagrado em plena rotação.
Van Gogh construiu esse campo com pinceladas curtas em forma de vírgula, colocadas lado a lado em vez de misturadas, de modo que o laranja e o azul continuam atuando um contra o outro mesmo à distância. Azul e laranja ficam opostos um ao outro no círculo cromático, e colocados borda a borda assim eles não se acomodam: o efeito é um fundo que vibra em vez de recuar.
O rosto carrega a mesma inquietação. Ocre, amarelo pálido, verde-sálvia e ferrugem são hachurados em pinceladas diagonais curtas que acompanham a estrutura da maçã do rosto, da sobrancelha e do maxilar, de modo que a própria tinta parece modelar o osso por baixo dela. Nada nesta superfície é suavizado; cada plano do rosto é construído a partir de marcas visíveis e direcionais.
Lã cinza contra cobalto
Sobre esse rosto inquieto repousa o chapéu de feltro cinza que dá nome à obra, cuja aba é pintada em pinceladas de sálvia pálido, lavanda e branco opaco que captam uma luz mais fria do que as cores quentes abaixo. É um chapéu comum, do tipo que um parisiense trabalhador usaria sem pensar duas vezes, colocado ligeiramente para trás, de modo que todo o rosto fica aberto para o espectador.
Abaixo da gola, um paletó azul com listras mais escuras se fecha sobre uma camisa branca e uma gravata frouxamente amarrada, pintados nas mesmas pinceladas rápidas e paralelas que preenchem o fundo, de modo que figura e cenário compartilham um ritmo contínuo de marcas. A roupa lê-se como modesta e respeitável, e não elegante, o traje de um homem com pouco dinheiro que ainda assim se mantinha apresentável.
O que chama a atenção primeiro, porém, é o olhar. Os olhos são de um verde-acinzentado frio, sob sobrancelhas pesadas, e olham diretamente para fora da tela com uma franqueza serena e inabalável que as cores ao redor não fazem nada para suavizar.
Um rosto no lugar de um modelo
Van Gogh pintou mais de vinte autorretratos durante seus dois anos em Paris, e a necessidade prática era parte da razão: um espelho e uma tela não custavam nada além de sua própria paciência, numa época em que contratar um modelo por uma tarde sequer era um luxo. Mas as sessões também se tornaram um laboratório, uma forma de experimentar a pincelada quebrada e separada dos neoimpressionistas num tema que ele conhecia melhor do que qualquer outro.
Seurat e Signac trabalhavam com pontos minúsculos e uniformes, aplicados com um distanciamento quase científico, construindo a forma por meio da mistura óptica a uma cuidadosa distância do tema. Van Gogh tomou emprestado o vocabulário, os toques separados de cores complementares, mas levou a marca adiante: mais longa, mais urgente, seguindo a emoção do rosto em vez de um sistema fixo. O resultado lê-se como pessoal, enquanto as pinturas neoimpressionistas que o inspiraram leem-se como calculadas.
A essa altura de sua estadia ele pintava rápido e constantemente, absorvendo uma nova maneira de ver a cor quase em tempo real. Este retrato situa-se perto do fim desse aprendizado parisiense, pouco antes de ele deixar a cidade rumo a Arles, no início de 1888, em busca de luz mais forte e vida mais barata.
Conservado no Van Gogh Museum, Amsterdã
O original mede 37,5 por 44 centímetros, pequeno o suficiente para ter sido pintado numa única sessão contínua diante de um espelho naquele apartamento de Montmartre. Hoje pertence ao Van Gogh Museum, em Amsterdã, parte do vasto acervo da instituição de seus autorretratos desses anos parisienses.
Essa escala modesta importa diante da tela. Não há distância para recuar; o rosto preenche o quadro em tamanho quase natural, e o fundo circular pressiona ao redor dele, de modo que o encontro parece imediato, e não encenado.
Pendurada numa parede em casa, a pintura mantém a mesma inquietação. A luz da manhã realça os azuis frios do fundo e do chapéu; a luz mais quente das lâmpadas à noite traz para a frente os laranjas e ocres do rosto, de modo que a mesma tela parece mudar de temperatura ao longo do dia. Os olhos, onde quer que a luz incida, continuam encontrando o ambiente de frente.
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