Autorretrato com Gravura Japonesa: História e Significado
Um pintor a reconstruir-se em Montmartre
Em 1887, Vincent van Gogh já estava em Paris há quase dois anos, vivendo com o seu irmão Theo em Montmartre e tentando livrar-se da paleta escura e terrena dos seus anos holandeses. Tinha entrado numa cidade no meio de uma discussão sobre a cor, onde os impressionistas quebravam a forma em luz e uma geração mais jovem avançava ainda mais em direção ao pigmento puro e não misturado.
Também se tinha apaixonado por algo mais distante de casa. As gravuras em madeira japonesas, vendidas baratas em lojas de gravuras de Paris e por comerciantes como Siegfried Bing, ofereciam-lhe uma lógica completamente diferente de fazer imagens: cor plana, contorno decisivo, padrão usado como estrutura em vez de decoração.
Van Gogh não admirava estas gravuras à distância. Comprou centenas delas, fixou-as nas paredes e, em 1887, ajudou a organizar uma exposição pública da sua coleção num café de Montmartre. Pintar-se a si mesmo com uma delas ao lado era uma forma de declarar para onde caminhava o seu novo trabalho.
Um rosto montado a partir de pequenos gestos deliberados
O autorretrato mostra Van Gogh do peito para cima, a cabeça ligeiramente virada, os olhos a encontrar o espectador sem calor nem representação. Está a ficar calvo, o cabelo curto e a barba cheia reproduzidos não como massa contínua, mas como dezenas de pinceladas curtas e separadas, colocadas lado a lado.
A pele do rosto é construída da mesma maneira. Em vez de tons de carne misturados, Van Gogh coloca pinceladas de amarelo, verde-pálido e laranja suave diretamente umas ao lado das outras, deixando o olho fazer a mistura à distância. De perto, o rosto quase se dissolve em puro padrão; ao afastar-se, volta a reunir-se num homem cansado e vigilante.
A barba contém a cor mais saturada da pintura, ocre e laranja-ferrugem penteados em forma com toques rápidos e radiantes do pincel. Contra ela, os olhos são destacados em verde frio, pequenos e fundos, dando ao rosto a sua firmeza mesmo quando tudo à sua volta parece vibrar.
O fundo como um segundo tipo de retrato
Atrás dele, a parede não é uma parede em qualquer sentido tradicional. Van Gogh cobre-a com faixas estreitas de cor direcional, azul-esverdeado pálido e amarelo-palha quente puxados para pinceladas verticais e diagonais que ecoam o padrão da gravura que possuía e fixava perto do seu cavalete.
Não há aqui qualquer tentativa de profundidade. O fundo lê-se como plano, quase tecido, mais próximo de têxtil ou biombo do que de um interior doméstico, e essa planura é o ponto central. Toma emprestada a recusa da gravura japonesa em relação ao espaço ilusório e transforma a própria parede do estúdio de Van Gogh em algo mais próximo de uma superfície impressa.
O efeito é que o retratado e o seu ambiente são pintados com o mesmo vocabulário. Nada no quadro é reproduzido como forma sólida e contínua. Rosto, barba, casaco e parede são todos construídos a partir das mesmas marcas curtas e insistentes, de modo que toda a tela parece zumbir numa única tonalidade.
Uma pequena tela que carrega muito
Autorretrato com gravura japonesa mede apenas 35 por 44 centímetros, suficientemente pequeno para ter sido trabalhado de perto, no tempo que Van Gogh conseguia roubar para si entre encomendas e as exigências do trabalho de Theo na galeria. O seu tamanho modesto faz parte da forma como foi feito: rápido, direto, sem o luxo de uma grande composição de estúdio.
Pintou-se a si mesmo frequentemente nestes anos parisienses porque os modelos custavam dinheiro que não tinha e um espelho não custava nada. Cada autorretrato tornou-se um lugar para testar uma ideia, uma combinação de cores ou uma forma de construir uma cabeça a partir de marcas em vez de sombreado, antes de levar a lição para outro trabalho.
Esta tela em particular, pintada em 1887, pertence agora à coleção Emile Dreyfus. O seu registo encontra-se entre as obras documentadas de um ano em que a paleta de Van Gogh clareou dramaticamente e a sua pincelada se tornou visivelmente mais urgente, uma mudança que o levaria, dentro de meses, para sul, para Arles.
O que a pintura faz numa sala
Pendurado onde a luz do dia o possa alcançar, este retrato muda de carácter ao longo do dia. Com luz plana e uniforme, as pequenas pinceladas assentam numa semelhança coerente e ligeiramente severa. Sob uma luz mais baixa ou mais inclinada, as cristas da tinta apanham sombra e toda a superfície parece soltar-se, tanto o rosto como o fundo a regressar às suas marcas componentes.
Essa instabilidade não é um defeito a corrigir com boa iluminação. É a pintura a fazer o que Van Gogh a construiu para fazer: nunca completamente imóvel, nunca totalmente resolvida numa única leitura, uma pequena tela que continua a pedir para ser olhada de novo.
Mais desta coleção
Leve este quadro para sua casa
Escolha uma reprodução a óleo pintada à mão para um verdadeiro trabalho de pincel, ou um print artístico em tela para uma edição fiel à imagem do museu. Cada tamanho preserva as proporções do original.
Ver esta obra e suas opções
Para ir além
Verifique o original no Registo da coleção Emile Dreyfus collection e continue com as obras associadas do catálogo.