Autorretrato sem Barba: História e Significado
Um barbear, e um retrato para a sua mãe
Em setembro de 1889, Vincent van Gogh vivia havia quatro meses no asilo de Saint-Paul-de-Mausole, em Saint-Rémy-de-Provence, internado após a crise que pusera fim ao seu tempo em Arles. A pintura era uma das poucas atividades que os médicos deixavam em suas mãos, e o autorretrato tornou-se um dos poucos temas que ele podia perseguir sem sair do quarto. Trabalhava a partir de um pequeno espelho, sozinho, nos intervalos entre os ataques que periodicamente o afastavam por completo do trabalho.
Em algum momento daquele mês, ele raspou a barba. Foi um ato pequeno e deliberado, e ele usou a mudança para fazer um retrato que pudesse enviar para casa, à sua mãe, uma imagem de si mesmo com um aspecto firme e saudável, e não como ela poderia tê-lo imaginado. O resultado é Autorretrato sem barba, pintado em 1889 e medindo apenas 31 por 40 centímetros, menor que a maioria dos autorretratos que o cercam na sua produção daquele ano.
É também, entre os seus autorretratos sobreviventes, o único em que o seu rosto aparece sem qualquer pelo facial. Todas as outras semelhanças dos seus anos em Paris, Arles e Saint-Rémy mostram-no com barba ou bigode, em algum grau. Este retira isso, e com isso uma certa quantidade do disfarce que uma barba oferece a um rosto cansado.
Um rosto virado a três quartos para a luz
A tela não contém nada além do próprio homem, recortado rente aos ombros e virado ligeiramente para longe do espectador, de modo que um lado do seu rosto recebe mais luz que o outro. O seu cabelo está penteado para trás, afastado da testa, em mechas de ocre e acaju, e os seus olhos azul-acinzentados pálidos olham para além da moldura em vez de diretamente para nós, firmes em vez de confrontadores.
Ele veste um casaco abotoado num azul-acinzentado suave, com o colarinho fechado alto no pescoço, pintado com os mesmos pinceladas soltas e marcadas pelo tempo que o resto do quadro. Não há mão, nem mesa, nem janela, nada que o situe num quarto. O fundo é uma aguada uniforme de verde-sálvia, trabalhada em pinceladas verticais que percorrem a altura da tela como o veio da madeira velha.
O lado esquerdo do seu rosto, na sombra, é construído a partir de vermelhos e castanhos rubros que o empurram para o fundo. O lado direito apanha uma luz mais fria e pálida que traz a maçã do rosto e a têmpora para a frente. É uma pequena assimetria, mas faz a maior parte do trabalho de fazer a cabeça parecer sólida em vez de plana.
Cor contra cor
Van Gogh pinta a cabeça com as mesmas pinceladas curtas e direcionais que usou em todo o seu trabalho de Saint-Rémy, aplicadas rapidamente e deixadas visíveis em vez de misturadas suavemente. Em torno do maxilar e sob os olhos, a tinta muda de direção quase pincelada a pincelada, seguindo a estrutura do rosto em vez de a suavizar.
A paleta assenta num único contraste: os tons quentes de carne do rosto contra o verde-acinzentado frio do fundo e o azul-acinzentado do casaco. Vermelhos, laranjas e ocres na pele ficam diretamente ao lado do verde suave atrás da cabeça, e as duas cores aguçam-se mutuamente em vez de se fundirem na borda.
Há muito pouco preto em qualquer parte do quadro. A sombra é construída a partir de vermelhos e castanhos mais escuros em vez de tinta cinzenta ou preta, o que mantém toda a superfície quente mesmo onde o rosto se afasta da luz. É uma maneira de pintar controlada, quase disciplinada, mais próxima da firmeza do olhar do que da turbulência frequentemente associada ao seu trabalho posterior.
Uma semelhança mais calma que as restantes
Van Gogh pintou mais de trinta autorretratos ao longo da sua carreira, e o grupo de Saint-Rémy é habitualmente lido como um dos mais indagadores entre eles. Em comparação com esses, este destaca-se pela sua contenção. Não há nenhum halo rodopiante de pinceladas em torno da cabeça, nenhuma agitação visível na tinta; a superfície é trabalhada com esforço mas mantida sob controlo.
Esse controlo importa, dado o momento em que o quadro foi feito. Ele estava a pintar entre períodos de doença, num ano que também produziu algumas das suas telas mais turbulentas, e este retrato não mostra nada dessa turbulência na sua superfície. Qualquer que fosse o significado do barbear para ele pessoalmente, o quadro que construiu em torno disso lê-se como um ato de compostura.
Vale a pena notar o que a pintura retém tanto quanto o que mostra. Nenhum cenário, nenhuma posse, nenhuma outra figura, nada além do rosto e do colarinho de um casaco simples. A franqueza é quase clínica, um registo de como ele queria ser visto e não um relato de onde ou como estava a viver.
O quadro numa sala
Pendurado ao nível dos olhos, o retrato domina uma sala como um olhar fixo domina uma conversa. O rosto fica suficientemente perto da frente do plano do quadro para que haja pouca distância real entre o retratado e o espectador, e o fundo verde-sálvia quase não dá ao olho outro lugar onde repousar.
A luz do dia altera-o mais do que à maioria dos retratos. Numa luz mais plana e fria, o fundo verde lê-se como cinzento e o rosto avança; sob uma luz quente de fim de tarde, os ocres e vermelhos no cabelo e na pele aprofundam-se e todo o quadro se aproxima do bronze. De qualquer forma, os olhos permanecem o ponto fixo em torno do qual o resto da pintura trabalha.
Mais desta coleção
Leve este quadro para sua casa
Escolha uma reprodução a óleo pintada à mão para um verdadeiro trabalho de pincel, ou um print artístico em tela para uma edição fiel à imagem do museu. Cada tamanho preserva as proporções do original.
Ver esta obra e suas opções
Para ir além
Verifique o original no registro da coleção e continue com as obras associadas do catálogo.