Vegetação Rasteira com Duas Figuras: História, Significado e Pinceladas
Em maio de 1890, Vincent van Gogh deixou o asilo de Saint-Remy-de-Provence e viajou para o norte, até Auvers-sur-Oise, uma aldeia às margens do rio Oise, ao alcance fácil do seu irmão Theo, em Paris. Restavam-lhe talvez nove semanas de vida, e pintou a um ritmo que ainda hoje inquieta quem quer que tente catalogar a sua produção daquele verão. Undergrowth with Two Figures, feita em 1890, pertence ao último e mais estranho grupo de quadros daquelas semanas, um conjunto de vistas de bosque em que o céu é totalmente omitido e as árvores se fecham sobre o observador como uma cortina.
Um bosque sem horizonte
Van Gogh pintou várias versões deste motivo em Auvers, caminhando até aos bosques acima da aldeia com uma tela cortada longa e baixa, e depois preenchendo-a de troncos de árvores de ponta a ponta. Não há céu em nenhuma delas, nem campo distante, nada que coloque o observador a uma distância fixa. Os troncos simplesmente sobem para além do topo do enquadramento, e o olhar não tem para onde ir senão ao longo do solo.
Essa recusa de um horizonte é a decisão mais deliberada do quadro. Van Gogh passara o ano anterior, em Saint-Remy, a pintar ciprestes e olivais que ainda obedeciam a um plano médio convencional. Aqui ele fecha essa opção, e o bosque torna-se uma única superfície contínua em vez de uma cena vislumbrada de um ponto fixo.
O casal entre os troncos
Duas figuras estão ligeiramente à esquerda do centro, vestidas de verdes escuros e pretos que quase se leem como silhuetas contra a casca mais clara à sua volta. São pequenas, não mais altas do que o espaço entre dois troncos vizinhos, e Van Gogh não lhes dá rostos que mereçam menção, apenas uma pincelada de tom de pele acima do colarinho. Quem quer que sejam, estão de passagem, não a posar.
A sua colocação é exata, não acidental. Van Gogh colocou-os no único trecho da tela onde três ou quatro troncos se afastam ligeiramente, de modo que o solo mais claro atrás deles enquadra as formas escuras do seu vestuário. Retire-se o casal e a pintura continua a sustentar-se como um estudo de árvores e sub-bosque; deixe-se o casal e o bosque ganha subitamente uma escala, uma distância que se poderia realmente percorrer a pé.
Também lhe dão a sua inquietação silenciosa. Duas pessoas tão pequenas num ecrã de troncos tão denso sentem-se observadas em vez de observar, mais próximas de figuras vislumbradas através de uma sebe do que de sujeitos a passear numa tarde.
Troncos azuis, solo amarelo
Os próprios troncos não estão pintados de castanho. Van Gogh representa-os em azuis frios, lilases e violetas pálidos, com um tronco central construído com um azul espesso, quase turquesa, que ancora toda a composição. Notas mais quentes, um rosa-rosado, um traço de ocre, aparecem apenas num ou dois troncos à esquerda, como se a luz apanhasse a casca num único ângulo.
Abaixo dos troncos, o solo é um emaranhado denso de verde, aplicado em pinceladas curtas que tendem para o amarelo onde os dentes-de-leão despontam, e para o branco onde um conjunto disperso de pequenas flores repousa sobre a erva. Não há terra nua em parte alguma do quadro. Cada centímetro de solo é preenchido com tinta, erva sobre erva, flor sobre erva, até a superfície se ler tão densamente como um tecido tecido.
No seu conjunto, a paleta é construída quase inteiramente a partir do emparelhamento de azul-violeta e verde-dourado, uma combinação que Van Gogh já usara antes para carregar um quadro sem lhe elevar a temperatura. O resultado sente-se sombreado e fresco mesmo onde o amarelo está no seu mais brilhante, mais como a luz a dois passos dentro de uma linha de árvores do que um campo aberto ao meio-dia.
As marcas que o pincel deixou
Olhe-se de perto e os troncos revelam-se construídos a partir de pinceladas longas e únicas de tinta arrastadas a direito para cima da tela, carregadas com espessura suficiente para deixar relevos que se poderiam sentir com a ponta do dedo. Van Gogh não mistura estas pinceladas com o fundo atrás delas; tronco e sub-bosque encontram-se numa aresta dura, uma cor aplicada diretamente contra outra, húmido sobre húmido.
O sub-bosque é tratado de forma completamente diferente, em traços curtos e vírgulas de tinta colocados em todos os ângulos, verdes a cruzar verdes, uma partícula de amarelo deixada cair onde uma flor precisava de ser marcada. Onde os troncos são verticais e disciplinados, o solo é disperso e rápido, e o contraste entre os dois tipos de marca faz grande parte do trabalho de separar o próximo do distante.
É tinta aplicada depressa, diretamente do tubo em alguns pontos, com quase nenhum médium a retardá-la. Nada aqui foi corrigido ou suavizado depois. É o registo de uma mão a mover-se tão depressa quanto o olho lhe podia dar instruções, consistente com o ritmo furioso de trabalho que Van Gogh manteve nas suas últimas semanas em Auvers.
Viver com o bosque
A tela é longa e baixa, cerca de 99,7 por 49,5 centímetros, uma forma mais próxima de uma janela larga do que de uma moldura convencional de retrato ou paisagem. Pendurada ao nível dos olhos, essa proporção coloca o observador aproximadamente onde estão as duas figuras que caminham, olhando ao longo dos troncos em vez de para baixo, para uma vista distante.
Como o quadro não tem céu nem uma única fonte de luz, não assenta num único humor como uma paisagem banhada de sol poderia fazer. Sob uma luz quente de fim de tarde, os azuis dos troncos avançam e o bosque sente-se mais próximo e mais fresco; sob uma luz do dia brilhante e plana, os amarelos do sub-bosque assumem o controlo e a mesma tela lê-se como uma clareira aberta, batida pelo sol.
O original encontra-se hoje no Cincinnati Art Museum, uma das últimas pinturas de bosque que Van Gogh fez antes da sua morte em Auvers-sur-Oise, em julho de 1890. Visto em reprodução ou ao vivo, mantém a qualidade que o torna digno de regresso: um bosque pintado não como cenário, mas como um lugar dentro do qual se está de pé, com duas pessoas prestes a desaparecer entre as árvores.
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