La Berceuse (Mulher Embalando um Berço): História, Significado e Técnica de Pintura
Nos últimos dias de 1888, a casa de Vincent van Gogh em Arles tinha-se desfeito. Paul Gauguin deixou a Casa Amarela depois da discussão entre os dois, e Van Gogh passou as primeiras semanas de 1889 a oscilar entre o hospital e curtos períodos em casa, tentando equilibrar-se com o trabalho. Entre os amigos que o apoiaram durante aquele inverno estavam Joseph Roulin, o carteiro de Arles, e a sua esposa Augustine-Alix Pellicot Roulin, e foi a Augustine que Van Gogh pediu para posar para o quadro que chamou La Berceuse.
Tinha um uso específico em mente para ele. Van Gogh escreveu sobre querer pintar um quadro que pescadores longe no mar, homens que imaginava balançando nos seus beliches e a pensar em casa, pudessem pendurar na sua cabine como uma espécie de canção de embalar tornada visível. A ideia veio em parte do romance de Pierre Loti sobre pescadores islandeses, e moldou o endereçamento estranho e direto do quadro a um espectador que é imaginado como cansado, ou com medo, ou simplesmente sozinho.
Uma Modelo Tornada Imóvel, uma Corda de Berço nas Suas Mãos
Augustine Roulin senta-se de frente para o espectador numa cadeira de braços baixa de madeira, o seu corpo preenchendo a maior parte da tela. Veste um corpete verde-garrafa apertado com um cinto escuro sobre uma saia verde-azulada mais clara, e as suas mãos repousam no colo, os dedos entrelaçados em torno de um fino cordão às riscas.
Esse cordão é todo o assunto do título do quadro. Desce e sai pela margem inferior da tela, atado, entendemos, a um berço fora de vista, e a aderência de Augustine a ele é o único movimento implícito numa figura de outro modo imóvel.
O seu rosto e cabelo ruivo-alaranjado são construídos a partir de tons quentes de ocre e rosa, pintados de forma mais suave do que tudo à sua volta, de modo que o seu olhar, calmo e um pouco distante, se torna o único lugar onde o olho pode repousar. Van Gogh assina o quadro no braço da cadeira, “Vincent”, na letra simples que reservava para obras que julgava terminadas e importantes.
Um Papel de Parede que Cresceu Selvagem Atrás Dela
Atrás de Augustine, o fundo não é uma parede mas um campo de padrão: um fundo verde-garrafa escuro salpicado de pequenos pontos e invadido por dálias rosa e brancas em caules encaracolados, com gavinhas em laço em amarelo e verde-claro a entrelaçar-se entre elas como papel de parede deixado a crescer.
As flores não estão espaçadas uniformemente. Agrupam-se mais densamente nos cantos superiores e ao longo da margem esquerda, de modo que o padrão se lê como vivo e em crescimento em vez de impresso e repetido, um efeito que Van Gogh construiu pincelada a pincelada em vez de copiar um tecido real.
Onde o verde padronizado encontra as margens do quadro, cede abruptamente a passagens planas de vermelho-alaranjado, visíveis nos cantos inferiores em torno da cadeira. Esse vermelho é a única nota no quadro que nada tem a ver com o mobiliário da sala ou o vestido da modelo, e funciona como uma espécie de chama-piloto a arder na base da composição.
Tinta Aplicada Como Corda Torcida
A pincelada de Van Gogh muda de registo ao longo da tela. Nas flores deixa os traços curtos, carregados e distintos, de modo que cada dália é construída a partir de um punhado de toques separados de rosa, branco e vermelho-alaranjado que só se resolvem numa flor a alguns passos de distância.
No corpete e na saia verdes trabalha traços mais longos e mais uniformes que seguem a queda do tecido, dando ao corpo de Augustine um peso e solidez que o papel de parede nunca tem. O contraste é deliberado: uma mulher imóvel e firme contra um fundo que não para de se mover.
A própria corda é pintada com a mesma atenção minuciosa que as flores, algumas linhas retorcidas de pigmento creme, azul e vermelho que apanham luz ao longo do seu comprimento. É uma pequena passagem, fácil de perder, mas é o detalhe que todo o quadro foi construído para explicar.
O que o Quadro Pede a uma Sala
Pintado em 1889 a óleo sobre tela com 92,7 por 73,7 centímetros (36 1/2 por 29 polegadas), esta versão de La Berceuse é hoje guardada pelo The Metropolitan Museum of Art em Nova Iorque, onde a sua ambição sobrevive de forma bastante clara, um retrato destinado a funcionar como consolo, não como decoração.
Numa parede em casa, o quadro comporta-se de forma diferente conforme a hora. Com pouca luz, o fundo verde-escuro recua e o rosto e as mãos de Augustine parecem avançar por si próprios, iluminados por dentro; sob luz do dia mais forte, os vermelhos dos cantos e os rosas das dálias puxam para a frente e toda a superfície se torna inquieta outra vez.
Recompensa o tipo de olhar que Van Gogh esperava que um marinheiro longe de terra lhe desse: não um relance de passagem, mas o regresso lento de um olho que não tem para onde ir, de volta ao rosto calmo e à corda segurada frouxamente em duas mãos.
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