Natureza Morta com Buquê de Margaridas: História
Vincent van Gogh chegou a Paris nos primeiros meses de 1886 com quase nada definido sobre como queria pintar. Mudou-se para o apartamento do irmão Theo, abandonou os interiores em tons de castanho turvo sobre os quais havia construído a sua reputação em Nuenen e dedicou-se a ensinar-se a si mesmo a cor, do zero. Natureza-morta com um ramo de margaridas, pintada nesse mesmo ano, é um dos resultados: uma tela feita não para ser vendida ou mostrada, mas para ser trabalhada, pincel na mão, até que algo na forma de ver tivesse mudado.
As flores eram o tema mais barato e mais paciente que tinha ao seu dispor. Um ramo comprado ou apanhado mantinha a pose durante alguns dias, tempo suficiente para tentar o mesmo jarro e as mesmas flores vezes sem conta, à procura de como um verde se comportava ao lado de outro. Dezenas destes estudos sobrevivem do seu primeiro ano na cidade, e esta tela está entre eles, sem assinatura, sem data da mão do próprio artista, notas de trabalho em vez de uma declaração acabada.
O que distingue esta pintura em particular é quão pouco ela toma de empréstimo do Paris mais luminoso que ele em breve descobriria. A cor ainda é contida, ainda presa à terra. Lê-se como uma pintura de charneira, feita mesmo antes de a luz da cidade entrar plenamente na sua obra.
Um Jarro Apertado sobre uma Mesa Despida
Um único jarro de grés, com faixas de um verde mais escuro, ergue-se ligeiramente à direita do centro, sobre um tampo de mesa liso. Do seu gargalo estreito brota uma massa densa e mais pesada no topo do que na base, tão cheia que o jarro quase desaparece sob o peso do que sustenta.
O ramo mistura vários tipos de flores do fim do verão. Margaridas brancas e de um creme pálido abrem-se de face plana voltada para quem observa, pequenas ásteres malva e lilás agrupam-se à esquerda, e algumas flores de um bordô profundo ficam meio engolidas pela sombra, para a parte de trás do arranjo.
Em baixo, à esquerda, duas ou três flores amarelas vivas, semelhantes a dentes-de-leão, caíram ou foram pousadas soltas sobre o tampo da mesa, completamente à parte do jarro. São a primeira coisa que o olho capta, antes de subir de novo para o emaranhado de flores mais pálidas lá em cima.
Pintar Quase Inteiramente em Verde
Van Gogh coloca toda a cena contra um fundo liso de verde-oliva escuro, com uma mesa de verde ligeiramente mais claro por baixo. Jarro, folhas, caules e fundo situam-se todos dentro de uma faixa estreita da mesma família de cor, de modo que o quadro se mantém coeso como um único espaço sombrio e envolvente, e não como uma sala com limites definidos.
Contra esse tom baixo, as flores carregam quase toda a luz do quadro. Cada pétala é aplicada como um traço curto e carregado de tinta, dabado em vez de misturado, irradiando para fora a partir de um centro mais escuro em amarelo, creme ou rosa pálido.
As folhas e os caules são tratados com mais soltura, arrastados e enganchados em marcas mais longas que descrevem massa em vez de forma individual. Van Gogh não está tanto a desenhar cada caule como a encontrar a forma que o ramo inteiro produz contra a parede por trás dele.
A própria tela é pequena, 57,2 por 41,6 centímetros, próxima do tamanho do ramo que mostra. Essa escala importa: é um quadro feito para ser estudado à distância de um braço, sobre uma mesa ou um cavalete, não visto do outro lado do chão de uma galeria.
Um Passo Antes dos Quadros Mais Luminosos de Paris
Dentro de cerca de um ano depois de pintar este jarro de margaridas, Van Gogh estaria a aplicar amarelos de cádmio puros e azuis de cobalto aprendidos com telas impressionistas e neoimpressionistas que via nas montras dos marchands de Paris. Essa mudança ainda não aconteceu aqui.
O que esta natureza-morta mostra, em vez disso, é a base para ela: um artista que deliberadamente reduz o seu tema a um único jarro de flores para poder concentrar-se em nada mais do que nas relações de cor, sem uma paisagem ou uma figura a distraí-lo. A escuridão da paleta não é timidez, é controlo, uma forma de testar até onde pétalas pálidas podiam ser levadas a brilhar contra um campo de verde antes de o quadro deixar de se ler como um ramo de flores.
A pintura é hoje propriedade do Philadelphia Museum of Art, parte de uma coleção pública onde ainda pode ser vista e estudada ao vivo.
Como se Lê numa Parede
Com pouca luz ou à luz da noite, o quadro fica próximo do monocromático, e as flores parecem emergir do verde em vez de estar à sua frente. Pouco a pouco, à medida que o olho se ajusta, as flores bordô e malva enterradas na sombra tornam-se visíveis.
Sob uma luz do dia mais forte, a mesma tela abre-se. A variedade que Van Gogh construiu dentro de uma gama de cor estreita, os rosas, lilases e cremes escondidos entre o amarelo, torna-se mais fácil de separar e seguir, e as duas flores soltas sobre o tampo da mesa avançam em relação ao resto.
Visto de qualquer das maneiras, recompensa um segundo e um terceiro olhar em vez de um simples relance. Afinal, foi para isso que foi feito: não uma peça de exposição acabada, mas um estudo sobre quanto um pintor consegue encontrar num jarro comum de flores se continuar a olhar.
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