O Semeador (Estudo, 1883): História, Significado e Pinceladas
Um tema camponês que cria raízes em Drenthe
Em setembro de 1883, Vincent van Gogh deixou Haia rumo a Drenthe, uma província remota de turfeiras e fazendas dispersas no nordeste dos Países Baixos. Foi para lá em parte para economizar dinheiro e em parte porque queria temas que ainda não tivessem sido explorados por outros pintores: cavadores, tecelões, mulheres curvadas sobre campos de batata, homens caminhando atrás de arados. Era hospedagem barata e clima rigoroso, e ele não ficou muito tempo.
Em dezembro, ele já havia se mudado novamente, desta vez para Nuenen, onde seu pai ocupava a casa paroquial e onde Vincent viveria e trabalharia pelos dois anos seguintes. O Semeador (estudo) pertence a esse trecho inquieto de 1883, pintado pequeno e rápido, com 27,5 por 19 centímetros, o tipo de tamanho que um homem podia carregar numa bolsa atravessando um campo.
Ele ainda não era o pintor de Arles. A cor que buscava nesses anos era a cor da própria terra holandesa: bistre, terra de sombra, um cinza que nunca chega a se tornar verde. O que ele procurava não era brilho, mas convicção, a sensação de que um camponês trabalhando era um tema tão adequado para a pintura séria quanto qualquer retrato ou cena histórica.
A longa sombra de Millet
O semeador tinha um ancestral específico. Jean-François Millet havia pintado um homem avançando por um campo arado, o braço balançando no ato de lançar a semente, e a imagem havia se tornado algo próximo de uma escritura para Van Gogh. Ele possuía gravuras feitas a partir de Millet, copiou-as repetidamente e falava do pintor mais velho como uma espécie de professor moral, e não apenas como um modelo estilístico.
Para Van Gogh, o semeador nunca era apenas uma figura de estudo. Ele carregava uma ideia de trabalho como forma de fé, semente lançada sobre um solo que não responderia por meses, um ato realizado sem prova de que funcionaria. Ele havia se preparado para o ministério antes de se preparar como pintor, e algo daquela convicção não comprovada, inclinada para frente, permaneceu com ele quando passou a pintar em vez de pregar.
Este estudo de 1883 é uma tentativa inicial de um tema ao qual ele retornaria pelo resto de sua vida profissional. Cinco anos depois, em Arles, o mesmo gesto reapareceria sob um enorme sol amarelo, o campo tornado violeta, o próprio semeador quase com uma auréola. Nada dessa cor está presente ainda aqui. O que está presente é a pose, já fixada, já sua.
Uma figura construída a partir de quase nada
A composição é despojada ao ponto da severidade. Um único homem caminha pelo terço inferior do painel, o corpo voltado de perfil, um braço lançado para fora no meio do arremesso, o outro puxado para trás para equilíbrio. Atrás dele, o chão escurece numa faixa de tinta quebrada e granulada que se lê menos como sulcos do que como peso bruto, a terra pressionando contra a borda inferior da imagem.
Acima dessa faixa, o céu ocupa a maior parte da superfície, pálido e inquieto, riscado por nuvens que foram trabalhadas úmido sobre úmido, e não desenhadas. O horizonte fica baixo, o que já era hábito de Van Gogh nesses estudos holandeses: deixar a terra encolher e deixar o céu fazer o trabalho da escala, para que um único homem a pé pareça menor do que o tempo ao seu redor.
Quase não há incidente além da figura e da linha onde o campo encontra o ar. Nenhum segundo trabalhador, nenhuma casa de fazenda, nenhuma árvore para ancorar o plano médio. O olho tem uma coisa em que pousar, a silhueta escura do semeador, e tudo o mais no estudo existe para colocá-lo contra esse vazio.
O peso de um estudo
Van Gogh tratou a figura com uma espécie de economia direta. A cabeça, os ombros, o balanço do casaco são colocados como formas escuras sólidas, e não construídos por meio de modelagem, de modo que o homem se lê primeiro como silhueta e só depois como corpo em movimento. É o método de alguém trabalhando rápido, ao ar livre ou de memória dos campos ao seu redor, mais preocupado em acertar o ritmo da passada do que em finalizar qualquer passagem.
Essa franqueza não é descuido. Van Gogh estava, nesse momento, treinando a si mesmo na construção da figura por meio da repetição, desenhando e pintando as mesmas poses camponesas vezes e mais vezes até que as proporções viessem sem hesitação. Um estudo como este era prática no sentido mais simples, um ensaio para quadros que ele ainda não tinha habilidade para pintar.
A paleta permanece próxima do chão que retrata. Marrons, verdes quase pretos e um céu misturado até um branco-acinzentado calcário são até onde a cor viaja. Nada aqui antecipa os amarelos e azuis saturados de sua obra posterior, e essa restrição é parte do que o estudo mostra: um pintor ainda ensinando sua mão ao que o corpo de um trabalhador faz num campo, antes de se permitir pensar em cor.
Viver com um céu escuro
Pendurado numa parede, um estudo deste tamanho não se anuncia do outro lado da sala. Ele pede aproximação, como o original teria pedido algo semelhante ao próprio Van Gogh, curvado sobre um pequeno painel com a luz de um céu holandês baixo atrás de si.
À luz do dia, o céu domina, essa extensão pálida e trabalhada puxando o olho para cima e para longe da figura. Sob uma luz mais quente de fim de tarde, o primeiro plano escuro e a silhueta do semeador avançam, e a imagem se lê menos como paisagem e mais como retrato, um homem sozinho com uma tarefa que não mostrará seus resultados por meses.
O que permanece constante é o gesto, aquele braço lançado para fora, mantido no meio do arremesso enquanto alguém olhar para ele. Van Gogh pintou esse movimento por toda a sua carreira, e este pequeno e sóbrio estudo de 1883 é onde ele o registrou pela primeira vez.
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