Os Comedores de Batata: História, Significado e Pinceladas
Na primavera de 1885, Vincent van Gogh ainda vivia na casa paroquial de seus pais em Nuenen, uma pequena vila na província holandesa de Brabante do Norte. Seu pai, o pastor local, havia morrido naquele mês de março, e Van Gogh trabalhava com uma intensidade que beirava a obsessão, desenhando e pintando os tecelões e as famílias camponesas da região quase diariamente. Ele queria, finalmente, provar a si mesmo e a seu irmão Theo que conseguia realizar uma verdadeira composição de figuras, não apenas um estudo.
Durante meses antes disso, ele havia preenchido cadernos de esboços e telas com estudos de cabeças e mãos individuais, voltando repetidas vezes aos mesmos moradores de casebres até que seus traços lhe parecessem tão familiares quanto os seus próprios. Esses estudos eram a preparação para uma única pintura ambiciosa: uma família camponesa em sua refeição noturna, reunida na sala de seu casebre que mais importava.
Essa pintura é Os comedores de batata, concluída em Nuenen em 1885 e hoje a obra que o próprio Van Gogh chamou de pintura de figuras mais importante que já havia tentado. Mede 114 por 82 centímetros e pertence ao Museu Van Gogh em Amsterdã, onde permanece como uma das obras definidoras de seu período holandês.
Cinco figuras sob um lampião
A cena é um interior apertado de casebre à noite. Cinco pessoas estão sentadas ou de pé ao redor de uma mesa rústica de madeira, e sobre elas um único lampião a óleo pende do teto baixo, sua chama o ponto mais brilhante de toda a tela.
À esquerda, um homem com um boné de aba inclina-se em direção à mulher ao seu lado, que usa uma touca branca e é flagrada no ato de espetar comida de um prato compartilhado de batatas. De frente para o observador, do lado oposto da mesa, uma mulher mais velha com outra touca branca serve de um pequeno pote para as xícaras, enquanto um homem à sua frente ergue a sua xícara para receber. Em primeiro plano, vista inteiramente de costas, uma quinta figura está sentada com a cabeça baixa, uma silhueta escura que ancora a composição e puxa o olhar para além dela, em direção à mesa iluminada.
Atrás do grupo, o ambiente dissolve-se em escuridão quase total: o contorno tênue de um relógio na parede, um pequeno quadro emoldurado, um suporte de pratos, e uma janela e uma porta mal legíveis na penumbra. Nada nesse fundo compete com o lampião e as mãos sob ele.
Tinta cor de terra
Van Gogh construiu o quadro quase inteiramente com marrons, verdes opacos e quase-negros, uma paleta que ele descreveu como a cor de uma batata empoeirada e não descascada. Há mal uma passagem de cor limpa em qualquer lugar da tela fora do pequeno halo quente lançado pelo lampião.
A própria tinta é aplicada espessamente e sem qualquer polimento. Os rostos são modelados em pinceladas curtas e nodosas que deixam visível a aspereza da pele e do osso, e as mãos, agarrando garfos, xícaras e o próprio prato, são construídas com a mesma insistência rude, de modo que se leem como mãos trabalhadas antes de se lerem como anatomia.
Essa aspereza deliberada era o ponto. Van Gogh não estava interessado em refinar essas pessoas para algo mais bonito ou mais sentimental do que a vida que elas realmente levavam.
Um manifesto deliberado
Em uma carta a Theo, Van Gogh explicou exatamente o que queria que a pintura dissesse: que essas pessoas, comendo suas batatas à luz do lampião, haviam cavado a terra com as próprias mãos que agora punham no prato, e haviam honestamente conquistado seu alimento. A pintura foi concebida como um argumento tanto quanto uma imagem, uma declaração de que a vida camponesa merecia ser pintada em sua própria verdade grosseira, em vez de suavizada em algo mais agradável a um público frequentador de galerias.
Não foi recebida com entusiasmo na época. Críticos e colegas pintores acharam-na desajeitada e suas figuras feias, e até alguns do próprio círculo de Van Gogh questionaram o desenho. Ele manteve sua posição de qualquer forma, convencido de que era a coisa mais forte que havia feito.
No final daquele mesmo ano, ele havia deixado Nuenen rumo a Antuérpia, e em poucos meses estava em Paris, onde sua paleta se abriria para a cor pela qual mais tarde se tornaria conhecido. Os comedores de batata está na dobradiça dessa mudança, a última e maior declaração da pintura sombria e socialmente engajada que ele havia perseguido ao longo de seus anos holandeses.
Em uma parede
Pendurada em uma sala, esta não é uma pintura que se anuncia do outro lado do espaço. Sua escuridão pede que o olhar se aproxime, e só então o lampião, o prato de batatas e os rostos individuais se separam da sombra ao redor deles.
Sob luz baixa ou luz quente de fim de tarde, o quadro recolhe-se sobre si mesmo, os marrons e verdes fundindo-se quase ao negro, exceto por aquele único círculo iluminado acima da mesa. À luz mais clara do dia, a textura da tinta torna-se legível novamente, as cristas e nós de pigmento que compõem cada mão e cada rosto. A pintura muda de caráter com a luz do ambiente de modo semelhante à maneira como seu próprio lampião governa o ambiente que ela retrata.
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