Pomar de Oliveiras com Figuras a Colher: História
No verão de 1889, Vincent van Gogh já havia se internado no asilo de Saint-Paul-de-Mausole, nos arredores de Saint-Rémy-de-Provence. Ele tinha permissão para pintar sob supervisão e, assim que pôde ultrapassar os muros, voltou-se repetidas vezes para os olivais que cobriam as colinas ao redor. Onde Arles lhe dera girassóis e campos de trigo cercados de ciprestes, Saint-Rémy lhe deu essas árvores baixas e retorcidas, e ele pintou mais de uma dúzia de telas com elas em menos de um ano.
Olivais com Figuras Colhendo, concluída em 1889, pertence a essa sequência. Não é um estudo apenas das árvores, mas de um pomar em atividade, com colhedores curvados sobre os galhos, e carrega a carga particular de um tema ao qual van Gogh voltou porque não conseguia terminar de dizer o que queria dizer sobre ele.
Uma Colheita Capturada em Movimento
Três figuras se movem pelo olival. Uma mulher em primeiro plano, vestida de marrom-violeta, ergue os dois braços para alcançar um galho, com o peso inclinado para a frente no trabalho. Atrás dela, uma segunda figura de touca clara e rosa se curva entre os troncos, e mais ao fundo um homem em azul-acinzentado está de pé com um braço levantado, flagrado em pleno gesto em vez de posando.
Nenhuma das três encara o espectador diretamente. Van Gogh as apresenta pela postura e pela cor, não pelos traços, o que mantém o olhar passando de figura em figura e depois para as próprias árvores, de modo que as pessoas são lidas como parte do movimento do olival, e não como seu assunto.
O chão sob elas é construído com pinceladas curtas e cruzadas de azul, ocre e verde, aplicadas como se a própria terra estivesse captando um pouco do mesmo vento que agita os galhos. Não há nenhuma área parada de tela em qualquer parte da metade inferior do quadro.
Um Céu que se Sobrepõe às Árvores
O que chama a atenção do espectador primeiro não é o olival, mas o céu acima dele, uma ampla faixa de amarelo riscada de laranja e tocada por nuvens violeta, preenchendo quase metade da tela. Tem o tom de fim de tarde virando tempestade ou crepúsculo, embora van Gogh deixe a hora exata indefinida.
Contra esse calor, as árvores são lidas como frias e escuras, seus troncos verde-negros e nodosos, suas copas de um verde prateado com toque azulado, construídas com traços diagonais curtos. O contraste entre o céu ardente e o olival sombreado faz a maior parte do trabalho emocional do quadro.
A cor aqui não descreve tanto a luz do dia quanto um humor sobreposto a ela. Van Gogh havia escrito ao irmão sobre querer que os olivais carregassem sentimento como os girassóis e os ciprestes, e o céu nesta tela é onde essa ambição é mais visível.
O Tratamento da Tinta
Toda superfície do quadro, céu, folhagem, terra e figuras igualmente, é construída com o mesmo traço curto e direcional, aplicado com espessura suficiente para que a própria tinta tenha uma textura elevada e estriada. Van Gogh variou apenas a direção e a cor da marca, não seu caráter, de modo que tronco, nuvem e ombro são todos feitos do mesmo material inquieto.
Os troncos são desenhados com uma linha mais escura e mais contínua, que se torce e se enovela contra os traços mais agitados ao redor, dando às árvores uma presença retorcida, quase animal. É essa linha, mais do que as figuras, que carrega o sentido de idade e trabalho que o olival deve conter.
Nada na tela é misturado ou suavizado. A tinta fica na superfície em cristas visíveis, e a uma distância normal de observação os traços se resolvem em folha, nuvem e sombra apenas porque o olho faz a junção que o pincel se recusou a fazer.
Em uma Sala, ao Longo do Dia
Pendurado onde a luz do dia o atinge diretamente, o céu amarelo desta composição muda de caráter ao longo do dia, mais nítido e mais ácido sob a luz forte da manhã, mais quente e mais próximo do ouro conforme a luz suaviza em direção à noite. Sob uma lâmpada à noite, os verdes do olival vêm para a frente e o céu se acomoda em algo mais silencioso.
É um quadro que recompensa ser olhado tanto do outro lado da sala quanto de perto. De longe, a cena se lê claramente, três figuras trabalhando entre árvores prateadas sob um céu ardente. De perto, a mesma tela se quebra em cristas e riscos de tinta que não mostram nada além do movimento do pincel.
O original, com 92 por 73 centímetros, pertence ao Museu Kröller-Müller, um dos maiores detentores da obra de van Gogh em qualquer lugar. Uma reprodução na mesma escala carrega o mesmo peso em uma sala, a mesma insistência de que um olival em atividade e um céu perturbado podem ocupar o mesmo quadrado de tela sem se resolver em calma.
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