Erva e Borboletas: História, Significado e Pinceladas
Um Pintor Confinado a um Jardim
Em maio de 1889, Van Gogh internou-se no asilo de Saint-Paul-de-Mausole, perto de Saint-Rémy-de-Provence, buscando alguma estrutura após o colapso que havia encerrado seu tempo em Arles. A instituição lhe deu um segundo quarto para usar como estúdio e, uma vez que os médicos julgaram seguro, permitiu que ele saísse para pintar sob supervisão dentro dos muros e nos campos próximos.
Durante boa parte daquele primeiro verão, seus temas eram o que estivesse ao alcance: íris e lilases junto ao muro da clínica, ciprestes vistos por cima da cerca, e a relva comum e não cuidada a seus pés. Relva e Borboletas, pintado em 1889, pertence a esse modo mais restrito de olhar que o confinamento mais ou menos lhe impôs.
Em vez dos campos de trigo abertos que pintara mais ao norte, ele começou a colocar o cavalete baixo, rente ao chão, e a permanecer com um único trecho de prado até ter dito tudo o que podia sobre ele. Esta tela, com 61 por 51 cm, é construída inteiramente a partir desse tipo de atenção sustentada e próxima.
Um Prado Visto do Chão
Não há horizonte aqui nem céu. A imagem é recortada tão justamente que a relva e as flores baixas preenchem toda a superfície, como se o observador estivesse ajoelhado no prado em vez de estar de pé sobre ele.
No canto superior esquerdo, um ramo solto de flores em tom rosa pálido e creme ergue-se da relva, as flores de um arbusto baixo flagradas em plena floração entre as lâminas verdes. Suas pétalas são aplicadas com toques suaves e arredondados que se distinguem das pinceladas mais afiadas usadas para a relva ao redor.
Pequenas borboletas pálidas estão espalhadas pela composição em vez de reunidas em um só lugar, uma pairando logo à direita do centro, outra recolhida baixo perto da borda inferior, uma terceira pousada entre as flores no canto inferior direito. Elas são pintadas com um punhado de pinceladas rápidas e precisas, as asas flagradas em pleno bater em vez de posadas.
Em direção ao canto inferior direito, manchas de solo nu e aquecido pelo sol interrompem a relva em faixas de ocre e cinza-lilás. Essas falhas deixam o olhar descansar antes de retornar ao emaranhado mais denso acima, e mostram que este é um terreno gasto, pisado ou pastado, não um gramado idealizado.
Cor Construída em Pequenas Decisões
A paleta mantém-se próxima do que o tema oferecia: verdes que mudam do verde-azulado frio na sombra para um verde-amarelo quente onde a luz do sol atinge as pontas da relva. Contra isso, o solo ocre e as flores rosa e creme leem-se como interrupções quentes, e não como um esquema de cores separado.
Van Gogh entrelaça o verde com fios de violeta e azul-ardósia aplicados nas raízes sombreadas da relva, um recurso que usou frequentemente nesse período para impedir que o verde se tornasse chapado ou pesado. Algumas pinceladas de vermelho, pouco mais que toques rápidos, situam-se baixo na composição e puxam o olhar para dentro da profundidade do prado.
Não há uma única fonte de luz dramatizando a cena, nenhuma sombra longa caindo sobre a relva. Em vez disso, a luz parece vir de todos os lugares ao mesmo tempo, a luz do dia uniforme e ligeiramente desbotada de um meio-dia provençal, de modo que cor e textura sustentam o quadro, e não a iluminação.
A Relva como um Campo de Marcas
Cada lâmina nesta pintura é uma decisão separada. Van Gogh construiu a relva a partir de pinceladas curtas e direcionais de tinta espessa, cada uma seguindo a inclinação de um caule real, de modo que a própria pincelada se comporta como crescimento.
Em alguns lugares, as pinceladas reúnem-se em pequenas espirais radiantes, tufos que giram para fora a partir de um ponto baixo como redemoinhos na água. É um padrão ao qual ele retornou em vários de seus estudos de Saint-Rémy sobre vegetação rasteira e prado, onde o próprio chão se torna tanto o tema quanto qualquer coisa que esteja sobre ele.
A tinta é aplicada com espessura suficiente para reter cristas e sulcos que captam luz real através da superfície da tela, de modo que a textura da pincelada ecoa a textura da relva que retrata. De perto, o quadro lê-se como quase abstrato, um campo de marcas coloridas; somente a uma pequena distância ele se resolve em prado, flor e borboleta.
Viver com a Pintura
Pendurada onde a luz do dia a alcança ao longo do dia, uma reprodução desse tipo continua mudando de maneiras que uma imagem mais plana não mudaria. A luz da manhã destaca os azuis e violetas mais frios entrelaçados nas sombras; à tarde, o solo ocre e os verdes mais quentes vêm para a frente.
Como a composição não tem horizonte nem ponto de vista fixo, ela não organiza um ambiente como uma paisagem com céu e distância tende a fazer. Ela se comporta mais como um detalhe próximo e absorvente, algo para ser lido lentamente em vez de apreendido de relance, em consonância com a atenção paciente e ao nível do chão que Van Gogh lhe deu em 1889.
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