Retrato de Adeline Ravoux (Azul): A História
No início do verão de 1890, Vincent van Gogh havia deixado o asilo de Saint-Remy e se instalado em Auvers-sur-Oise, uma vila a noroeste de Paris escolhida em parte por sua proximidade com seu irmão Theo e em parte pela presença do Dr. Paul Gachet, que concordara em vigiá-lo. Ele alugou um quarto acima da pousada Ravoux, na Place de la Mairie, pagando alguns francos por dia por pensão e um estreito sótão sob o beiral. Foi ali, nas últimas dez semanas de sua vida, que ele pintou a um ritmo que ainda hoje surpreende os historiadores, muitas vezes terminando uma tela em uma única sessão.
Entre as pessoas a quem ele tinha acesso fácil naquela casa estava a filha do estalajadeiro, Adeline Ravoux, treze anos naquele verão. Ela posou para ele duas vezes em seu último mês, e este quadro, pintado em 1890 e hoje conhecido simplesmente como Adeline Ravoux, é um resultado. É uma tela quadrada, 50,5 por 50,2 centímetros, e agora pertence ao Museu de Arte de Cleveland.
Uma garota que por acaso estava ali
Adeline mais tarde recordou ter posado para van Gogh com algum desconforto, pouco acostumada à atenção e não convencida pela semelhança final. Ela não era uma modelo profissional, simplesmente uma garota na casa onde ele se hospedava, disponível para ele da mesma forma que uma paisagem ou um vaso de flores estava disponível.
Essa banalidade é parte do que a pintura carrega. Não há tentativa de lisonjeá-la ou de suavizá-la em uma imagem convencional de juventude. Sua expressão é firme e um pouco reservada, o olhar de alguém que fica parado porque lhe foi pedido e preferiria estar fazendo outra coisa.
Van Gogh lhe dá essa seriedade sem ironia. Ele já havia pintado crianças e jovens antes, em Nuenen e em Arles, e geralmente as tratava com a mesma atenção próxima e sem enfeites que dedicava ao carteiro Roulin ou ao seu próprio reflexo.
Azul sobre azul, com um jorro de branco
Adeline está virada quase de perfil, seu rosto inclinado para a direita contra um fundo de azul-pretíssimo. Seu vestido é de um turquesa pálido e calcário com gola alta e abotoada, da mesma família fria de cor do fundo, mas vários tons mais claro, de modo que sua cabeça e ombros se projetam para frente a partir da escuridão atrás dela.
Seu cabelo está preso para trás e amarrado com uma fita do mesmo verde-azul do vestido, e van Gogh destacou fios soltos no topo da cabeça com pinceladas de amarelo e ocre, a única passagem de cor quente na metade superior da tela além de sua pele. O rosto em si é construído de pêssego, rosa e laranja pálido, com uma linha de sombra verde ao longo do maxilar que o impede de se separar da harmonia azul ao seu redor.
À direita, preenchendo cerca de um terço do quadrado, um ramo florido ergue-se do fundo escuro, suas folhas em azul-esverdeado e suas duas flores abertas pintadas em pinceladas espessas e onduladas de quase branco. As flores dão ao olhar um lugar para descansar depois do rosto, e ecoam, em um registro diferente, o turquesa pálido do vestido.
Todo o fundo lê-se primeiro como escuridão plana e só ao olhar mais atento se resolve naquele ramo plantado, como se o quarto atrás de Adeline tivesse sido simplificado a um único fato ornamental.
Tinta aplicada em pinceladas curtas e decididas
Van Gogh trabalhou esta tela rapidamente, e isso se mostra no manuseio. O vestido é construído a partir de pinceladas longas e paralelas de tinta espessa, com relevo suficiente para captar uma luz rasante, enquanto o cabelo é um espalhamento de marcas mais curtas que mudam constantemente de direção ao seguir a curva da cabeça.
Ele contorna o perfil com uma linha escura, quase preta, um hábito que adquirira em parte das xilogravuras japonesas que colecionava e fixava em suas paredes, e essa linha faz o trabalho de manter as formas de cor plana unidas sem qualquer modelagem convencional em luz e sombra.
Nada aqui é misturado suavemente. A cor é depositada como cor, azul ao lado de verde ao lado de pêssego, e o quadro depende dessas relações em vez de profundidade ilusionista para fazer o rosto avançar e o fundo recuar.
O que o quadro pede de um ambiente
Pendurado onde a luz do dia o alcança em ângulo, os relevos de tinta no vestido e no fundo captam e perdem a luz conforme o dia avança, de modo que a superfície nunca fica completamente imóvel, ainda que a modelo esteja. Em um ambiente com luz artificial quente à noite, os azuis parecem mais frios por contraste, e as pequenas notas de laranja no cabelo e na pele tornam-se mais insistentes.
Não é um quadro grande nem berrante. Seu formato quadrado e a visão próxima e recortada de uma única figura fazem com que funcione a curta distância, em um corredor ou um escritório, algum lugar onde uma pessoa passe com frequência suficiente para continuar notando coisas novas nele: o verde exato da fita, as flores brancas captando luz de uma janela, a firmeza nos olhos de uma garota de treze anos perto do fim de um verão que não tinha muito mais tempo para durar.
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