Vaso com Quinze Girassóis: História, Significado e Pincelada
Em janeiro de 1889, Vincent van Gogh estava de volta à Casa Amarela em Arles, sozinho. Paul Gauguin partira no mês anterior, após a discussão que terminou com o ferimento na orelha de Van Gogh e uma internação hospitalar, e os dois quartos que Van Gogh decorara para a visita do amigo permaneciam quase vazios. Girassóis não florescem num inverno provençal, então, quando decidiu fazer mais quadros dos que haviam pendido na parede de Gauguin no agosto anterior, trabalhou a partir de sua própria tela anterior, e não de um vaso de flores frescas.
O resultado foi Natureza-morta: Vaso com Quinze Girassóis, pintada naquele janeiro e hoje pertencente ao Museu de Arte Sompo, em Tóquio. Com 76,5 por 100,5 centímetros, é próxima do tamanho natural, uma repetição ponderada e não um estudo rápido, feita com a mesma atenção que Van Gogh dedicara à primeira versão cinco meses antes.
Uma Segunda Versão, Feita com Cuidado
Van Gogh usava a palavra repetição para quadros como este, e a empregava com precisão. Não copiava no sentido de decalcar, mas reconstruía uma composição em que já confiava, igualando a inclinação de cada cabeça de flor e a contagem exata de quinze flores de memória e de sua própria tela anterior.
Ele havia escrito a seu irmão Theo sobre o desejo de uma decoração construída a partir de várias telas de girassóis, um conjunto de amarelos que se sustentasse como um esquema. Fazer repetições permitia-lhe produzir mais de um quadro a partir de um único arranjo bem-sucedido, para que esse esquema pudesse viajar ou pendurar-se em mais de um quarto ao mesmo tempo.
Ele já havia dito a Gauguin, meio a brincar e meio a sério, que o girassol era só seu entre os pintores. Em janeiro, essa afirmação tornara-se mais verdadeira do que quando a fizera pela primeira vez. Este quadro é a flor repetida nos seus próprios termos, na sua própria casa, uma vez encerrada a discussão que trouxera Gauguin a Arles.
Quinze Cabeças Contra um Campo de Amarelo
O quadro não contém nada além de um vaso simples de barro e suas flores, sobre uma mesa desnuda, contra uma parede quebrada apenas por uma única linha horizontal que a separa do tampo da mesa. Quinze cabeças de girassol aglomeram-se na boca do vaso sobre hastes verdes grossas, algumas eretas e totalmente abertas, outras viradas de lado ou pendendo depois do auge.
Algumas cabeças já foram a semente, suas pétalas reduzidas a uma franja em torno de centros escuros e eriçados; outras ainda são amplos discos de ouro com um olho verde no meio. Uma flor no alto à esquerda encrespou-se e acastanhou-se por completo, uma pequena nota de decadência contra o frescor das flores ao seu lado.
A cor carrega quase todo o quadro. Van Gogh trabalhou o fundo, a mesa e o vaso em variações próximas de um único amarelo, do cromo pálido perto do topo a um ouro mais profundo, quase alaranjado, na base, de modo que as próprias flores têm de ser construídas a partir de pequenas mudanças de verde, marrom e ocre, e não de qualquer contraste de matiz. O olhar pousa primeiro na cabeça mais alta e mais frontal, no centro do buquê, e depois se espalha em torno do anel de flores que a rodeia.
Tinta Espessa o Bastante para Projetar Sombra
Van Gogh aplicou a tinta das cabeças de flor em alto relevo, carregando o pincel e arrastando-o de modo que as cristas de pigmento se erguem fisicamente da tela. As pétalas são construídas como pinceladas curtas e separadas que irradiam de cada centro, e as cabeças de semente são trabalhadas com a mesma espessura, de modo que, vista de um ângulo, a superfície quase se lê como uma escultura baixa.
Em parte dessa tinta úmida, ele riscou linhas finas com o cabo do pincel, demarcando as nervuras delicadas de uma pétala ou a textura de uma cabeça de semente mais depressa do que conseguiria pintá-las pincelada a pincelada. O vaso e a mesa, em contraste, são tratados de forma mais fina, de modo que o quadro mantém um contraste deliberado entre as flores construídas em relevo e o fundo mais plano sobre o qual repousam.
Segundo seu próprio relato, ele testava até que ponto um quadro podia sustentar-se sobre quase uma única cor, um estudo em amarelo contra amarelo, e não em matizes contrastantes. Pequenos toques de azul esverdeado nas hastes e nos contornos são, na verdade, tudo o que impede o quadro de se dissolver num único campo de ouro.
Numa Parede, sob Luz Mutável
Com um metro de altura, a tela lê-se menos como um vaso de flores entrevisto sobre uma mesa e mais como uma parede de ouro que por acaso contém quinze girassóis. Pendurada ao nível dos olhos, ela preenche mais do campo de visão do que sua largura modesta sugere, um efeito que Van Gogh teria compreendido, pois já pensava em seus quadros de girassóis como decoração feita para ser vivida, e não estudada à distância.
Como a tinta se ergue muito acima da superfície, o quadro muda ao longo do dia conforme a luz real o atravessa. A luz da manhã destaca as cristas de cada pétala em pequenas sombras; à noite, sob uma lâmpada, essas mesmas cristas suavizam-se e toda a tela se aquieta no brilho plano de uma única cor.
Era mais ou menos essa a ambição de Van Gogh para os girassóis desde o início, pintar uma cor de tal modo completa que se comportasse como luz, e não como pigmento. Vista hoje no Museu de Arte Sompo, ou numa parede de casa, esta repetição continua a fazer exatamente isso, um quadro que não para de mudar enquanto tudo nele permanece perfeitamente imóvel.
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