Vaso com Rosas Cor-de-Rosa: História, Significado e Pincelada
Na primavera de 1890, Vincent van Gogh havia passado quase um ano entrando e saindo de crises no asilo de Saint-Paul-de-Mausole, nos arredores de Saint-Rémy-de-Provence. Os ciprestes e os campos de trigo que o haviam absorvido durante o inverno, pintados ao ar livre sempre que sua condição permitia, deram lugar, em sua última quinzena ali, a algo menor e mais calmo. Ele começou a trabalhar a partir de flores cortadas dispostas sobre uma mesa, em ambiente interno, um tema que nada exigia do clima nem dos seus nervos.
Natureza-morta: Vaso com Rosas Cor-de-Rosa, pintada em 1890 sobre uma tela medindo 90 por 71 centímetros, pertence a essa breve e deliberada mudança de assunto. Ela figura entre uma curta série de peças florais, entre elas rosas e íris, que Van Gogh fez nos dias que antecederam sua partida definitiva da Provença, rumo ao norte, para Auvers-sur-Oise e os cuidados do Doutor Gachet.
Uma Última Tarefa Antes de Deixar o Sul
Van Gogh havia perguntado a seu irmão Theo, de cujo apoio dependia, se poderia arriscar a viagem para o norte uma vez que o pior de seus ataques parecia ter passado. Pintar flores nesse meio-tempo mantinha sua mão ocupada sem o esforço físico de um longo dia ao ar livre perseguindo a luz cambiante por um campo. Era um trabalho constante, repetível, e o deixava pensar apenas na cor, sem um horizonte ou um tema humano a organizar.
Ele havia passado o ano experimentando até que ponto uma natureza-morta podia carregar sentimento pela cor e pelo toque, em vez do incidente. Um vaso de rosas, visto de perto e iluminado uniformemente, lhe deu exatamente esse tipo de problema para resolver mais uma vez antes da mudança.
Não há nada de despedida no modo de pintar. A tinta é aplicada com a mesma urgência encontrada em suas vistas do jardim do asilo, como se a quietude do tema fosse uma escolha formal, e não um sinal de fadiga.
Um Buquê Sobre Fundo Verde
A tela é dominada por um ramalhete solto e transbordante de rosas reunidas em um vaso simples de barro, cuja alça é apenas visível de um lado. As flores aglomeram-se para cima e para os lados, muito além da borda, algumas totalmente abertas e voltadas para o espectador, outras ainda botões apertados em hastes curvadas que se derramam pela borda do vaso e sobre a mesa abaixo.
Atrás das flores, a parede é trabalhada em pinceladas amplas, quase como de intempérie, de verde pálido, aplicadas em longas passagens diagonais que dão ao fundo sua própria energia inquieta. O tampo da mesa sob o vaso é de um verde mais profundo e sólido, ancorando o arranjo e separando-o claramente da parede atrás. Algumas hastes soltas e flores repousam no canto inferior esquerdo, inteiramente fora do vaso, quebrando a simetria do ramalhete principal.
O olhar pousa primeiro no denso aglomerado de flores no centro da tela, onde a tinta é mais espessa e as pétalas são construídas em toques curtos e sobrepostos. Dali ele se move para fora ao longo das hastes que se estendem, seguindo o ritmo das folhas, e não qualquer linha única.
Tinta Aplicada em Velocidade
Van Gogh trabalhou esta tela rapidamente, em pinceladas que descrevem estrutura tanto quanto superfície. Cada rosa é construída a partir de um punhado de toques curvos e carregados, em vez de sombreamento mesclado, de modo que as pétalas mantêm a forma do pincel que as fez.
As folhas são assentadas em traços curtos de dois ou três verdes distintos, escuros e frios onde caem na sombra entre as hastes, mais brilhantes e quentes onde captam a luz perto do topo do buquê. Essa variação dá peso e profundidade à folhagem sem qualquer suavização das bordas.
As pinceladas do fundo correm em direção totalmente diferente das flores, uma corrente de verde pálido movendo-se diagonalmente pela parede. Esse contraste entre um buquê calmo e contido e um fundo em constante movimento visível é um dos efeitos mais distintivos do quadro.
Um Cor-de-Rosa que o Tempo Suavizou
As rosas hoje parecem quase brancas, tocadas aqui e ali por um leve calor nas bordas das pétalas. Não foi assim que Van Gogh as deixou. Os pigmentos de laca vermelha que ele usou para o cor-de-rosa em várias de suas pinturas florais de 1890 eram notoriamente fugidios, propensos a perder a cor sob a luz ao longo de décadas.
O que permanece é um buquê mais silencioso do que aquele que ele pintou, seu cor-de-rosa reduzido a uma memória guardada principalmente no título. O cenário verde, construído com pigmentos mais estáveis, manteve-se muito mais próximo de sua força original, o que é parte do motivo pelo qual o quadro hoje se lê como um estudo em cor fria, em vez do contraste mais quente que Van Gogh pretendia.
Conviver com a Pintura
Pendurado em uma sala que recebe luz do dia cambiante, o quadro muda de caráter ao longo do dia. Em luz mais plana, as pinceladas verdes do fundo leem-se como padrão, quase abstratas; quando a luz incide de través sobre a superfície, as cristas de tinta nas pétalas e folhas projetam suas próprias pequenas sombras, e o trabalho de pincel torna-se o espetáculo principal.
Ele recompensa um lugar onde possa ser abordado de perto e também visto do outro lado de uma sala. À distância, o buquê lê-se como uma única massa suave de branco e verde; de perto, resolve-se em dezenas de pinceladas individuais e decisivas, cada uma um registro de uma mão movendo-se rápido nos últimos dias antes de uma longa viagem para o norte.
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