Bloeiende Pruimenboom (naar Hiroshige): Het verhaal
In 1887 woonde Vincent van Gogh al een jaar in Parijs, samen met zijn broer Theo, en nam hij een kunstwereld in zich op die weinig gemeen had met het sombere, aardse palet dat hij in Nuenen achter zich had gelaten. Hij zag impressionistische en neo-impressionistische doeken van dichtbij, ontmoette schilders als Bernard en Signac, en bouwde daarnaast een persoonlijke obsessie op met Japanse houtsneden.
Hij en Theo verzamelden er honderden van, goedkoop gekocht bij de Parijse handelaar Siegfried Bing, en een tijdlang prikte Vincent blad na blad aan de muren van zijn kamers en bestudeerde ze zoals een student een meester bestudeert. Hij wilde, schreef hij, naar de wereld kijken zoals een Japanse kunstenaar dat deed, vereenvoudigd, direct, niet vertroebeld door de conventies van zijn eigen opleiding.
Bloeiende pruimenboom, naar Hiroshige, geschilderd in Parijs in 1887, is een van de twee schilderijen waarin die ambitie letterlijk werd. In plaats van alleen in zich op te nemen wat Japanse prenten hem te leren hadden, nam Van Gogh een bestaand blad en werkte dat uit in olieverf op doek.
Kopiëren als manier van denken
De prent achter dit schilderij is Utagawa Hiroshige’s Pruimenpark in Kameido, onderdeel van zijn serie Honderd beroemde gezichten op Edo. Van Gogh kende die via het tijdschrift Paris Illustre, dat Japanse prenten voor een Frans publiek reproduceerde, en zeer waarschijnlijk ook via zijn eigen verzameling.
Hij trok de prent niet over, maar bouwde haar opnieuw op. Hij verdeelde de compositie in ruitjes en vergrootte haar naar doek, waarbij hij aanpaste wat de verandering van medium vereiste en tegelijk de durf van het ontwerp intact liet: een boomstam die bijna het hele beeld vult, de grond krijgt bijna geen ruimte, het oog krijgt geen gemakkelijke route naar een horizon.
Kopiëren was voor Van Gogh nooit een mindere vorm van werk. Het was een manier van denken door de hand van een andere kunstenaar, een discipline waarop hij zijn hele leven terugkwam, met Millet en Delacroix net zoals hier met Hiroshige.
Wat het doek bevat
Een pruimenstam splijt het schilderij op een scherpe diagonaal, de schors opgebouwd uit droge, gesleepte streken van roodbruin, zwart en oker die het hout een ruw, bijna geologisch gewicht geven. Dunne takken schieten er omhoog en opzij uit, elke punt beladen met witte bloesem, neergezet in korte, weloverwogen toetsen.
Achter de boom is de lucht niet blauw maar een diep, verzadigd rood, dat naar de horizon toe verzacht naar roze en crème, waar een hele boomgaard van bleke bloeiende bomen staat in vlakke, ongemodelleerde kleur. Kleine figuren in blauw en geel bewegen langs een hek aan de voet van die boomgaard, nauwelijks meer dan een streek of twee elk, aanwezig om schaal te geven rather dan om een gebeurtenis.
Het palet is doorgaans teruggebracht tot een handvol krachtige kleuren, rood, groen, zwart en wit, opgebracht zonder enige van de gladde overgangen die Van Goghs academische opleiding ooit zou hebben geëist. Het is een schilderij dat gebouwd is om van de andere kant van een kamer te treffen, en dat bij nadere beschouwing wordt beloond door de ruwheid van het oppervlak.
De randen die hij bedacht
Van Gogh voegde iets toe wat Hiroshige’s oorspronkelijke prent nooit had: twee verticale stroken met Japanse karakters op een oranje grond, die de scène omlijsten zoals een uithangbord of een rolmontage dat zou doen. De karakters zijn geen getrouwe weergave van iets specifieks; hij ontleende ze aan andere bladen in zijn verzameling, meer aangetrokken door hun grafische gewicht dan door hun betekenis, die hij niet kon lezen.
Het effect is dat het lenen zichtbaar wordt in plaats van verborgen. Dit is geen vermomde kopie maar een open hommage, de eerbetuiging van een Nederlandse schilder aan een Japanse prent, deels opgebouwd uit karakters die louter als vormen werden bewonderd.
Aan een muur, in veranderend licht
Met 46 bij 55 centimeter is het origineel een bescheiden object dat pleit voor zichzelf door kleur rather dan door schaal. Dat is deels waarom het van de andere kant van een kamer een muur kan vasthouden en toch beloont als je dichtbij staat, waar de gesleepte, ongemengde verf van de stam zelf het onderwerp wordt.
De rode grond verschuift met het licht eromheen, warmer en zwaarder in de avond, koeler en scherper onder een noordelijk raam. Weinig schilderijen veranderen zo zichtbaar van stemming door de dag als een dat bijna volledig uit één verzadigde kleur is opgebouwd.
Van Gogh schilderde het in hetzelfde jaar dat hij zijn eigen palet begon te stuwen naar de intensiteit die zijn laatste jaren in Zuid-Frankrijk zou bepalen. Vandaag te zien in het Van Gogh Museum in Amsterdam, leest het als een scharnierschilderij, het moment waarop een schilder die was opgeleid in de bruinen van de Nederlandse traditie besloot dat kleur alleen de betekenis van een heel schilderij kon dragen.
Meer uit deze collectie
Haalt u dit schilderij naar huis
Kies een handgeschilderde oliereproductie voor echt penseelwerk, of een kunstdruk op canvas voor een uitgave getrouw aan het museumimage. Elk formaat behoudt de verhoudingen van het origineel.
Bekijk dit werk en zijn opties
Om meer te weten te komen
Controleer het origineel op Van Gogh Museum collectieregister en ga verder met gerelateerde werken uit de catalogus.