Japanse Vaas met Rozen en Anemonen: Verhaal
In de vroege zomer van 1890 had Vincent van Gogh zich gevestigd in het kleine dorp Auvers-sur-Oise, ten noorden van Parijs, onder de informele zorg van Dr Paul Gachet. Hij had het gesticht in Saint-Remy slechts weken daarvoor verlaten, en hij schilderde in een tempo dat nog steeds verbazingwekt: bijna elke dag een doek, soms twee. Tussen de velden en rieten daken die deze laatste uitbarsting van werk domineren, wendde hij zich ook, meer dan eens, tot iets dichterbij en veel bescheidener: gesneden bloemen in een vaas op een tafel binnenshuis.
Stilleven: Japanse vaas met rozen en anemomen, die zomer geschilderd en nu in de collectie van het Musée d’Orsay, is een van deze interieurschilderijen. Het meet slechts 52 bij 51,7 centimeter, bijna vierkant, klein genoeg om in één langdurige sessie te zijn voltooid.
Een laatste zomer dicht bij huis
Van Goghs brieven uit Auvers beschrijven lange werkdagen en een rusteloosheid die nooit helemaal ophield, zelfs toen hij het dorp en zijn omgeving echt boeiend vond. Bloemen boden hem iets wat de korenvelden niet konden: totale controle over de schikking, het licht en de kleurrelaties binnen een enkele middag.
Hij had eerder bloemen geschilderd, in Parijs en in Arles, altijd als een manier om kleur tegen kleur te testen zonder de complicaties van een wijder tafereel. In Auvers duikt deze gewoonte weer op in een handvol schilderijen, waarvan dit een van de meest uitgewerkte is.
Er is geen bewijs van een speciale gelegenheid achter dit specifieke boeket. Het leest eerder als een werksessie: rozen en anemomen gekocht of gesneden, snel geschikt, en geschilderd voordat ze verwelkten.
Een vaas meegenomen uit een andere traditie
De container zelf is niet toevallig. Hij is lang, gefacetteerd en lichtgroen, zijn hoekige zijden gemarkeerd met een donker, lusvormig patroon dat doet denken aan de gedecoreerde keramiek die Van Gogh verzamelde en kopieerde sinds zijn jaren in Parijs, waar hij Japanse houtsneden grondig bestudeerde.
Hij reisde nooit naar Japan, maar hij beschreef het licht en de helderheid die hij associeerde met Japanse kunst als iets wat hij in Zuid-Frankrijk najaagde. Hier komt die schuld direct naar boven, in een object而非 een landschap: een Europees boeket staand in een vat gevormd door een traditie die hij van een afstand bewonderde.
De vaas zit laag in de compositie, zijn donkergroen een stevig anker onder een massa lichtere kleur daarboven. Alles wat het oog daarna doet, wordt beheerst door wat eruit oprijst.
Kleur gebundeld en kleur losgelaten
Het boeket zelf is dicht: lichtblauwe en witte anemomen met bijna zwarte hartjes verdringen zich tegen diep maroon rozen, botergele bloemen en rozen van de kleur van ivoor en blush roze. Van Gogh heeft de bloemen dicht op elkaar gepakt, zodat kleur kleur raakt met bijna geen groen gebladerte om de ene bloem van de volgende te scheiden.
Daartegen is de muur erachter bijna neutraal gehouden, een bleek grijs-wit bewerkt in korte, rusteloze streken die als textuur lezen而非 als een vlakke achtergrond. De tafel eronder is een warm, ononderbroken oranje, en het is deze enkele sterke kleur, meer dan de bloemen zelf, die het hele schilderij in balans trekt.
Rechts van de vaas ligt een enkele losse bloem apart van de rest, een bleke roos plat op het tafelblad met een paar groene bladeren in de buurt. Het is een kleine, bewuste onderbreking in een verder strak verzamelde schikking, en het geeft het oog ergens om te rusten zodra het door de menigte kleur hierboven is gereisd.
Hoe de verf zelf werd behandeld
Van Gogh bewerkte dit doek in korte, geladen streken, elk bloemblad opgebouwd uit twee of drie beslissende penseelstreken而非 gemengde schaduw. Van dichtbij lossen de anemomen in het bijzonder op in duidelijke vlekken blauw, wit en zwart, naast elkaar gelegd en in het oog gelaten om te mengen而非 op het palet.
De achtergrond is ook geen rustend oppervlak. De diagonale arcering houdt de hele bovenste helft van het doek in stille beweging, zodat zelfs het leegste deel van het schilderij een polsslag heeft.
Niets hier ziet er gewrongen of gecorrigeerd uit. Het schilderij heeft de directheid van iets wat snel is geschilderd, in de uren dat een gesneden bloem nog zijn vorm houdt, en die urgentie is in elke streek zichtbaar.
Wat het schilderij een kamer geeft
Op ooghoogte gehangen, is dit een schilderij dat zowel afstand als nabijheid beloont. Vanuit de ene kant van een kamer lezen de oranje tafel en het gepakte boeket als een enkele warme massa; stap dichterbij en dezelfde passage valt uiteen in tientallen individuele, ongemengde streken kleur.
Ochtendlicht haalt de warmte van de tafel en de gele rozen naar voren; in het lage licht van de avond komen de blauwen en bijna zwarte hartjes van de anemomen naar voren, en de hele balans van de compositie verschuift. Weinig stillevens veranderen zo zichtbaar met het uur.
Het vraagt om meer dan eens bekeken te worden, en het ziet er zelden twee keer precies hetzelfde uit.
Meer uit deze collectie
Haalt u dit schilderij naar huis
Kies een handgeschilderde oliereproductie voor echt penseelwerk, of een kunstdruk op canvas voor een uitgave getrouw aan het museumimage. Elk formaat behoudt de verhoudingen van het origineel.
Bekijk dit werk en zijn opties
Om meer te weten te komen
Controleer het origineel op Musée d'Orsay collectieregister en ga verder met gerelateerde werken uit de catalogus.