Zelfportret met glas: verhaal, betekenis & penseelvoering
Tegen de zomer van 1887 woonde Vincent van Gogh al ruim een jaar in Parijs, waar hij een appartement deelde met zijn broer Theo aan de Rue Lepic en zijn dagen doorbracht tussen schilders die over kleur praatten zoals chemici over verbindingen praten. Hij was uit Antwerpen aangekomen en werkte nog steeds in het donkere, aardse palet van het Nederlandse platteland. Parijs deed dat gebruik snel teniet.
Hij sloot zich aan bij schilders die experimenteerden met gebroken kleur, onder wie Signac en, via de prentenhandelaar Julien Tanguy, het voorbeeld van Seurat. Van Gogh begon verf in kleine, afzonderlijke toetsen aan te brengen in plaats van in vloeiende partijen, en testte hoe rood tegen groen of blauw tegen oranje een oppervlak kon laten lijken te trillen in plaats van simpelweg een gezicht te beschrijven. Zelfportret met glas, geschilderd in 1887, is een van de resultaten van dat experiment.
Een model dat niets kostte
Modellen waren een luxe die Van Gogh zich in Parijs zelden kon veroorloven. Een spiegel en zijn eigen gezicht losten dat probleem op, en hij keerde er obsessief naar terug, met meer dan twintig zelfportretten in zijn twee jaar in de stad. Elk daarvan leest minder als ijdelheid dan als oefening, een manier om een nieuwe techniek uit te proberen op een onderwerp dat hij niet hoefde te betalen of te overtuigen om stil te zitten.
Dit specifieke doek draagt zijn signatuur en het jaartal in de linkerbovenhoek, eenvoudig geschreven als Vincent 87. Met 50 bij 61 centimeter is het een bescheiden, nauw uitgesneden schilderij, gemaakt voor studie in plaats van voor tentoonstelling, en het behoort nu toe aan het Van Gogh Museum in Amsterdam.
Wat het doek toont
Van Gogh presenteert zichzelf ten halven lijve, licht gedraaid zodat zijn blik de kijker onder een hoek ontmoet in plaats van frontaal. Een pijp is tussen zijn tanden geklemd, de steel schuin naar beneden langs zijn baard, en in de rechteronderhoek staat een glas met een donkerrode vloeistof op de onzichtbare rand van een tafel of richel.
Zijn jas is een diep, bijna zwart blauwgroen, geschilderd in korte geribbelde streken die het licht ongelijkmatig over de schouders vangen. Een zachte witte kraag opent bij de keel, het enige deel van het schilderij waar geen kleur om aandacht vecht. Nabij de linkerschouder breekt een klein plekje losse blauwe, groene en okergele verf het donkere goed, alsof een lap of een veeg natte verf ertegenaan was gestreken terwijl hij werkte.
Zijn gezicht is waar de techniek het duidelijkst zichtbaar is. Roze, groene en bleekgele streken liggen naast elkaar over het voorhoofd en de wangen, nooit volledig gemengd, zodat de huid lijkt te flikkeren in plaats van stil te zitten. Zijn haar en baard, een rossig gemberblond, zijn op dezelfde manier opgebouwd, gedabt in plaats van geschaduwd, en zijn blauwe ogen kijken standvastig onder wenkbrauwen die met een paar donkere, besliste lijnen zijn getrokken.
Kleur opgebouwd uit kleine streken
De achtergrond is waar de nieuwe methode op afstand het makkelijkst te lezen is. Het is geen vlakke wand maar een veld van roest, oker en dof rood, aangebracht in korte, richtinggevende streepjes die in verschillende richtingen rond het hoofd lopen, op sommige plekken dichter bij arcering dan bij een geschilderd oppervlak. Niets erin beschrijft een kamer; het bestaat alleen om de figuur te laten uitkomen en om de ene warme kleur met de andere te laten discussiëren.
Over het hele schilderij loopt een fijn netwerk van craquelé aan het oppervlak, het soort veroudering dat veel voorkomt bij olieverf uit deze periode, wat onder strijklicht een tweede, ongepland reliëf toevoegt aan Van Goghs eigen rusteloze penseelvoering. De verf zelf is op sommige plaatsen dik, bijna gesleept, en op andere dun waar het weefsel van het doek nog doorschijnt.
Wat het schilderij samenhang geeft, is een terughoudendheid waarvoor Van Gogh zelden krediet krijgt. Het palet is beperkt, grotendeels opgebouwd uit roden, groenen en een handvol warme neutralen, en elke streek behoort tot die beperkte familie. Het is een gecontroleerd experiment in hoeverre gebroken kleur een gelijkenis kan dragen voordat de gelijkenis in patroon oplost, en hier stopt het net voor dat punt.
In een kamer, veranderend met het licht
Vanaf de andere kant van een kamer gelezen, leest het schilderij eerst als een gezicht tegen een warme, onrustige grond, waarbij het glas en de pijp zich pas daarna als kleine, specifieke details laten gelden. Kom dichterbij en de illusie valt uiteen in honderden afzonderlijke streken, waarvan geen enkele op zichzelf iets beschrijft.
Daglicht en lamplicht behandelen het oppervlak verschillend. In het vlakke licht van de middag liggen de roden en groenen dicht bij elkaar en leest het gezicht kalm; onder een lager, warmer peertje in de avond werpen de verfruggen hun eigen kleine schaduwen, en krijgt het schilderij een ruwer, onrustiger karakter, dichter bij hoe het er vers uitziende op de ezel moet hebben uitgezien.
Het beloont het soort kijken dat de meeste schilderijen aan een muur nooit krijgen, een eerste blik vanuit de deuropening en een tweede van een paar centimeter afstand, elk met iets dat de ander miste. Dat is, uiteindelijk, wat een zelfportret dat voor oefening in plaats van voor een klant is geschilderd een kamer nog steeds biedt, een eeuw en meer later: een gezicht streek voor streek uitgewerkt, nog steeds leesbaar, nog steeds licht onopgelost.
Meer uit deze collectie
Haalt u dit schilderij naar huis
Kies een handgeschilderde oliereproductie voor echt penseelwerk, of een kunstdruk op canvas voor een uitgave getrouw aan het museumimage. Elk formaat behoudt de verhoudingen van het origineel.
Bekijk dit werk en zijn opties
Om meer te weten te komen
Controleer het origineel op Van Gogh Museum collectieregister en ga verder met gerelateerde werken uit de catalogus.