Zelfportret met Japanse prent: verhaal & betekenis
Een schilder die zichzelf opnieuw opbouwt in Montmartre
In 1887 woonde Vincent van Gogh al bijna twee jaar in Parijs, bij zijn broer Theo in Montmartre, en probeerde hij het donkere, aardse palet van zijn Nederlandse jaren van zich af te schudden. Hij was terechtgekomen in een stad die midden in een discussie over kleur verkeerde, waar impressionisten de vorm in licht uiteenlieten vallen en een jongere generatie nog verder doordrong naar zuiver, ongemengd pigment.
Hij was ook gevallen voor iets ver van huis. Japanse houtsneden, goedkoop verkocht in Parijse prentenwinkels en door handelaars zoals Siegfried Bing, boden hem een volledig andere logica van het maken van een beeld: vlakke kleur, besliste omtrek, patroon gebruikt als structuur in plaats van als decoratie.
Van Gogh bewonderde deze prenten niet van een afstand. Hij kocht er honderden, hing ze aan zijn muren en hielp in 1887 een openbare tentoonstelling van zijn verzameling organiseren in een café in Montmartre. Zichzelf schilderen met een prent bij zijn schouder was een manier om te verklaren waar zijn nieuwe werk naartoe ging.
Een gezicht opgebouwd uit kleine, weloverwogen streken
Het zelfportret toont Van Gogh van de borst omhoog, zijn hoofd heel licht gedraaid, zijn ogen ontmoeten de kijker zonder warmte of vertoning. Hij wordt kaal, zijn kortgeknipte haar en volle baard zijn niet weergegeven als een doorlopende massa maar als tientallen korte, afzonderlijke streken naast elkaar.
De huid van zijn gezicht is op dezelfde manier opgebouwd. In plaats van gemengde vleestinten zet Van Gogh streken van geel, bleekgroen en zacht oranje direct naast elkaar, waarbij hij het oog op afstand het mengen laat doen. Van dichtbij lost het gezicht bijna op in zuiver patroon; stap achteruit en het herschikt zich tot een vermoeide, waakzame man.
Zijn baard draagt de meest verzadigde kleur in het schilderij, oker en roestoranje in vorm gekamd met snelle, stralende toetsen van het penseel. Daartegen zijn de ogen uitgekozen in koel groen, klein en diep liggend, wat het gezicht zijn standvastigheid geeft, zelfs terwijl alles eromheen lijkt te trillen.
De achtergrond als een tweede soort portret
Achter hem is de muur geen muur in traditionele zin. Van Gogh bedekt hem met strakke banden directionele kleur, bleek blauwgroen en warm strogeel getrokken in verticale en diagonale streken die het patroon weerspiegelen van de prent die hij bezat en bij zijn ezel had geprikt.
Er is hier geen poging tot diepte. De achtergrond leest als vlak, bijna geweven, dichter bij textiel of scherm dan bij een huiselijk interieur, en dat vlakke is juist de bedoeling. Het leent de weigering van illusionistische ruimte van de Japanse prent en verandert Van Goghs eigen studiomuur in iets dat dichter bij een bedrukt oppervlak ligt.
Het effect is dat de geportretteerde en zijn omgeving met hetzelfde vocabulaire zijn geschilderd. Niets in het beeld is weergegeven als vaste, doorlopende vorm. Gezicht, baard, jas en muur zijn allemaal opgebouwd uit dezelfde korte, aandringende streken, zodat het hele doek op één toonhoogte lijkt te zoemen.
Een klein doek dat veel draagt
Zelfportret met Japanse prent meet slechts 35 bij 44 centimeter, klein genoeg om van dichtbij te zijn bewerkt, in de tijd die Van Gogh voor zichzelf kon stelen tussen opdrachten en de eisen van Theo’s galeriebaan. Het bescheiden formaat is deel van hoe het gemaakt is: snel, direct, zonder het luxe van een grote studio compositie.
Hij schilderde zichzelf vaak in deze Parijse jaren omdat modellen geld kostten dat hij niet had en een spiegel niets kostte. Elk zelfportret werd een plek om een idee te testen, een kleurencombinatie of een manier om een hoofd op te bouwen uit streken in plaats van schaduw, voordat hij de les meenam naar ander werk.
Dit specifieke doek, geschilderd in 1887, behoort nu tot de Emile Dreyfus collectie. De registratie ervan staat tussen de gedocumenteerde werken van een jaar waarin Van Goghs palet dramatisch lichter werd en zijn penseelvoering zichtbaar dringender, een verschuiving die hem binnen maanden zuidwaarts naar Arles zou brengen.
Wat het schilderij doet in een ruimte
Opgehangen waar daglicht het kan bereiken, verandert dit portret door de dag van karakter. In vlak, gelijkmatig licht komen de kleine streken tot een samenhangend, licht streng gelijkenis. Onder lager of schuiner licht vangen de richels van verf schaduw en lijkt het hele oppervlak losser te worden, zowel het gezicht als de achtergrond vallen terug in hun samenstellende streken.
Die instabiliteit is geen fout die door goede verlichting moet worden gecorrigeerd. Het is het schilderij dat doet waarvoor Van Gogh het heeft gebouwd: nooit helemaal stil, nooit volledig opgelost in één enkele lezing, een klein doek dat blijft vragen om opnieuw te worden bekeken.
Meer uit deze collectie
Haalt u dit schilderij naar huis
Kies een handgeschilderde oliereproductie voor echt penseelwerk, of een kunstdruk op canvas voor een uitgave getrouw aan het museumimage. Elk formaat behoudt de verhoudingen van het origineel.
Bekijk dit werk en zijn opties
Om meer te weten te komen
Controleer het origineel op Emile Dreyfus collection collectieregister en ga verder met gerelateerde werken uit de catalogus.